La edad media, es ese periodo al que se le ha mal llamado edad oscura, pero que en realidad, no fue tan oscura, ya que durante su desarrollo se pudo lograr un movimiento artístico puramente doctrinal, de carácter religioso y de sentido colectivo en sus obras plasticas, muy rico y reconocido por algunos críticos, como un periodo de transición, hacia modos, experiencias estéticas y artísticas mas objetivas o con pretensiones mas firmes dentro del contexto humano, mermando a si, la configuración del sentido religioso extremo.
El arte medieval carece de autor en sus comienzos, pero las condiciones de la sociedad en la baja edad media, acompañada de la aparicion de la burguesía, dieron origen a los primeros mecenas del arte y ya para esta época, se puede ver claramente, un interés y una función distinta del arte en comparación con las épocas anteriores.
En la edad media se destaca la arquitectura, como forma ideal del arte que desde el paleocristiano se inspiraría estrictamente a través del sentido religioso y sus formas naturalistas que mas adelante le dará forma al arte bizantino el mas esplendoroso de todos los movimientos artísticos de la edad media; el románico, retomara la tradición clásica greco romana, convirtiéndose a si en mas que una intención de querer restaurar esta cultura emblemática para el pensamiento del momento pese al desmoronamiento del imperio romano de occidente y la supervivencia del imperio romano de oriente; es con el gótico donde el esplendor resurge con manifestaciones artísticas de un mundo en vías de desarrollo, la obra de arte en esta época ya tiene autor, la pintura y la escultura cobran vigencia y se extienden junto con la arquitectura por toda Europa hasta la llegada del renacimiento, solo que la pintura tendrá valor a partir de la imagen iconográfica denotando desde luego su inspiración en lo sagrado, la representación de lo religioso y pocas veces otros tema; la escultura ocupara su lugar dentro de la ornamentación y como objeto anexo a la arquitectura, resaltara hazañas y representara la imagen de lo sagrado para el mundo cristiano.
A finales de la edad media, se produce el surgimiento de las nuevas ciudades y a sí se inicia, una nueva sociedad, que apuntaría a la renovación de la cultura y a la mentalidad humana con esto, se daría un paso importante dentro del pensamiento artístico del momento, que traería por fin un nuevo panorama dentro de la sociedad.

“EL DESEO POR TODO LO QUE NOS PROVOCA.”
… “nos aproximamos al amor a trasvés del rostro y el amor se realiza a través del cuerpo. Por esta razón, el impulso erótico se dirige ala mujer en su totalidad, a su rostro y a su cuerpo. Por el contrario, la ocupación del rostro por el torso (los senos te miran, la nariz no es mas que un ombligo, la boca – pubis equivale a una mueca) cancela la función espiritualizadora del rostro y lo rebaja a la condición de objeto: ciego sordo y mudo.
(René passeron de” la violación” de René Magritte

El imaginario Caribe, obedece en gran parte, a una cultura forjada y animada por eventos o acontecimientos muy ligados a la memoria ritual de su gente y de sus pueblos, que de alguna forma, ha hecho de su propia historia, un anecdotario de casos populares, llenos de ese realismo mágico que solo el Caribe ha podido manejar como una forma especial de contar sus historias; pero lejos, de querer abordar cualquier concepto antropológicos o sociológico para develar proceso fenomenológico, el Caribe colombiano cuenta con una larga tradición que lo identifica de múltiples maneras y creo que el cuerpo Caribe es la forma identitaria más relevante de esta cultura, y que a la vista del otro, genera costumbres rituales que la sumergen en el costumbrismo, la desmedida extravagancia, la exuberancia y el exotismo.
Es inminente que una región cargada con identidades inalterable y pese a los problemas que la violencia ha traído a nuestros pueblos, la vida trascurre en medio de la tranquilidad y esta, tiende a llegar a imprimir deseos, y el consentimiento frívolo de un aparente “aburrimiento”, a pretexto de alcanzar deseos o redenciones, que no son mas que las vías para alcanzar a satisfacer “aquellos deseos o apetitos por todo lo que nos provoca”; dentro del gran manjar de nuestro vasto universo costeño; todo se consuma en lo que nos provoca de los cuerpos especial mente el de la mujer, que alivia casi todas nuestras situaciones, sin tener en cuenta cuestionamientos estéticos, ni mucho menos ceñidos a extremos lineamientos de belleza.
.
…toda la textura de la que estamos tejidos
[…] puede generar el corpus entero de una Enciclopedia
los pensamientos de Occidente.
General de las Ciencias, de las Artes y de

Jean-Luc Nancy, Corpus


Apariencias, deseos, maluqueras y otras formas de belleza

Desde Sófocles, platón o KANT, se analiza el cuerpo y este, pareciera contradecir la imagen que nuestra civilización se ha hecho del mismo; los pensadores occidentales han sostenido que una mirada es una especie de poder que domina como una divinidad el resto de los sentidos y que controla el cuerpo, permitiéndole manifestarse en múltiples formas de bellezas .


"Garbo se emperifollaba como una “vestida” cada
Vez que tenía que representar a un personaje muy
glamoroso, cada vez que se derretía dentro o
Fuera de los brazos de un hombre, cada vez que
simplemente dejaba que ese cuello divinamente
flexionado […] llevara el peso de su cabeza echada
hacia atrás. […] ¡Qué resplandeciente parece el
arte de actuar! Todo es personificación, sea o no
verdadero el sexo que está detrás".

Parker Tyler, “The Garbo Image”

Notas:

Marcel Paquet, (1992) René Magritte,”El cuerpo en la pintura”
Butler, J. (2002), Cuerpos que importan, Buenos Aires, Paidós
Butler, J. (2001), El género en disputa, México, Paidos.

Tamayo Nieto, R. (2007), Elevar el ancla de la forma: biocapitalismo y ascesis anoréxica, Universidad Javeriana, Ma Marcel Paquet, (1992) René Magritte,”El cuerpo en la pintura”
estría en Filosofía



jose Anibal Moya Daza

ARTE DE LA EDAD MEDIA, ARTE ROMANICO

http://www.youtube.com/watch?v=FHLwD6ar0PQ

enlases de otros blogs

http://didacticaypracticafello.blogspot.com
http://artegaray.blogspot.com

EL ARTE DE GRECIA EN IMAGENES

A PROPOSITO DEL ESTUDIO DEL ARTE ( GRECIA)

http://docs.google.com/present/edit?id=0AcduRJvZliOfZGNuZGtxamJfMWZrOXIzODVk&hl=en

A PROPOSITO DEL ESTUDIO DEL ARTE

A PROPOSITO DEL ESTUDIO DEL ARTE

ARTE

Arte, actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. El término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requieren una especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería o el arte de jugar al ajedrez.
Sin embargo y analizándolo bien, el concepto hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo, dentro de un contexto que abarca las diferentes desiplinas artísticas como la musical, lo literario, las artes visual, la danza y las artes escénicas; el arte procura en la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades especiales que transforman de alguna u otra forma la vida humana.

BELLAS ARTES Y ARTES DECORATIVAS

Como sucede tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades el arte se ha combinado funcionalmente con la estética de una forma práctica, pero en los alrededores del siglo XVIII el mundo occidental empezó a distinguir el arte como un valor puramente estético que, además, tenía una función práctica; Las bellas artes o “beaux arts” en francés refiriéndose a las artes de la literatura, la música, la danza, la pintura, la escultura y la arquitectura, centran su interés en la estética.
Las consideradas artes decorativas, artes aplicadas o menores, Como la cerámica, la metalistería, el arte mobiliario, el tapiz y el esmalte suelen ser artes de carácter utilitario y durante cierto tiempo fueron denominadas “oficios”; ya que en la Escuela de Bellas Artes de París, por tradición artística sólo se impartía la enseñanza de las principales artes visuales y muchas veces este término se ha utilizado de un modo bastante restringido para referirse sólo al estudio del dibujo, la pintura, la arquitectura y la escultura; pero, desde mediados del siglo XX, los intereses cambiaron por las tradiciones populares no occidentales y tomo mucha importatancia el desarrollo del trabajo individual por parte de una sociedad mecanizada y dirigida a nuevas revoluciones sociológicas y tecnológicas, esto hizo que esa vieja diferenciación fuese cada vez menos clara y que se consideren artes tanto las unas como las otras.

ARTE Y CIENCIA

El arte y la ciencia requieren habilidad técnica. Los artistas y los científicos intentan crear un orden partiendo de las experiencias diversas y en apariencia, aleatorias del mundo. También pretenden comprenderlo, hacer una valoración de él y transmitir su experiencia a otras personas; Sin embargo, existe una diferencia esencial entre ambas intenciones: los científicos estudian las percepciones de los sentidos de modo cuantitativo para descubrir leyes o conceptos que reflejen una verdad universal, los artistas seleccionan las percepciones cualitativamente y las ordenan de forma que manifiesten su propia comprensión personal y cultural; mientras que las investigaciones posteriores pueden llegar a invalidar leyes científicas, una obra de arte —aunque cambie el punto de vista del artista o el gusto del público— tiene un valor permanente como expresión estética realizada en un tiempo y en un lugar determinado.(1)

EL ARTISTA Y EL MUNDO

Aun cuando los artistas puedan ser genios únicos movidos por unas energías creativas propias, también son en gran parte un producto de la sociedad en la que viven; esta debe procurar un grado de bienestar económico y suficiente tiempo libre como para permitir que el público o las instituciones puedan pagar a los artistas profesionales, como hacían los sacerdotes sumerios o los príncipes renacentistas. Un artista aficionado ha de poder disponer de tiempo libre, tanto el granjero que talla o la granjera que borda durante el invierno como el empleado de una oficina que se dedica a pintar los domingos, incluso la decisión de ser artista puede fomentarse culturalmente; en muchas sociedades tradicionales era costumbre que los artistas, como otra mucha gente, siguieran la profesión de sus padres, como las familias de actores o pintores en Japón y las dinastías familiares de músicos en la Europa del siglo XVIII.
El artista esta condicionado por el medio y Los recursos físicos de la sociedad en la que vive y trabaja, en una zona como Mesopotámia, donde la piedra escasea, los arquitectos sumerios consiguieron trabajar el barro y la arcilla para asi construir con ladrillos; los pastores nómadas asiáticos tejían lana de sus rebaños para hacer alfombras; los pintores medievales europeos trabajaban sobre paneles de madera, paredes revestidas de yeso, vidrieras de ventanas y pergaminos en una época en la que el papel no era conocido en Occidente. Pero en el siglo XX la producción en masa y el comercio mundial han proporcionado a los artistas un enorme abanico de materiales.
El medio que utiliza un artista condiciona el estilo de su trabajo. Así un escultor ha de tratar la piedra de modo diferente a la madera; un músico logra con los tambores unos efectos que difieren de los que logra con los violines; un escritor, si escribe poesía, ha de cumplir ciertos requisitos que en una novela serían irrelevantes. También la tradición local afecta a los estilos artísticos; los diseños en la cerámica de un área geográfica y un periodo determinados, pueden ser geométricos y en otros, naturalistas. La tradición en la India prescribía que se representara a Buda con el pelo muy rizado, al igual que la tradición occidental estipulaba que Cristo fuera representado con el pelo largo. Los artistas de Oriente hacían caso omiso de la perspectiva científica, que ha sido una de las preocupaciones fundamentales de los pintores occidentales desde el periodo renacentista en Europa.
Además, el tema artístico está muchas veces dictado por la sociedad que lo financia. El arte y la arquitectura de Egipto, dominado por el Estado y las concepciones religiosas, utilizaban como motivos la glorificación del faraón y la vida después de la muerte. En la piadosa Europa medieval, la mayor parte de las artes visuales y el teatro trataban temas cristianos. En el siglo XX en los países totalitarios el arte oficialmente reconocido había de estar al servicio del Estado. Desde el siglo XIX, en la mayoría de los países occidentales, los artistas han disfrutado de mayor libertad en la elección de los temas y, en algunas ocasiones, la forma de la obra se ha convertido en el tema, como sucede en el arte conceptual y en la música pura.
El rango social de los artistas ha ido cambiando en Occidente a lo largo de los siglos; en la época clásica y en la edad media los poetas y escritores, al utilizar para sus obras sólo la capacidad intelectual, estaban considerados creadores de rango superior a los actores, bailarines, músicos, pintores y escultores, que utilizaban la habilidad manual o física. Pero desde el renacimiento, cuando empezaron a valorarse todos los aspectos de la personalidad humana, la capacidad creativa en el campo de las artes visuales y de representación ha ido ganando mayor reconocimiento y prestigio social. Hoy en día el arte se considera, en todas sus categorías, como parte fundamental de los logros de la humanidad y muchos creadores de los más diversos campos artísticos se encuentran entre los ciudadanos más famosos del mundo.(2)

LA HISTORIA DEL ARTE Y SU IMPORTANCIA

Los hombres de este planeta o grupos humanos alo largo del tiempo han hecho del arte una de las manifestaciones mas universales de toda su cultura; como podemos ver, algunos pueblos con escaso desarrollo científico y filosófico pero no encontramos jamás pueblos ajenos alas artes por muy pobre o falto de desarrollo que haya sido este.
El testimonio artístico, es el producto o el resultado de una serie de condicionantes como la época y las sociedades, el ambiente y cada inquietud que modifica el quehacer artístico, dando origen a los estilos y a las tendencias artísticas en sus condiciones más diversas; en esos estilos y tendencias, esta presente el sentido creativo, del hombre que como todo, ha ido perfeccionándose a través de los tiempos; así que desde el trazo de figuras toscas y defectuosas, o sonidos mal articulados, hasta el impulso genial del mejoramiento de la figuración o la producción de sonidos considerado hoy verdaderas piezas musicales que forman parte de la universalidad del arte; recoger y consignar todos estos datos nos muestra cuanto hemos hecho y aportado a la humanidad a través de los siglos, construyendo así gran parte de la historia de todos los pueblos; esto le da contenido ala historia del arte.
Existe la tendencia, de que todo individuo en su formación cultural, se destaca por sus conocimientos de la historia del arte, ya que esta le permite, tener una idea mas completa del pasado del hombre y en consecuencia de su presente. El arte por ser una manifestación cultural con mucho contenido humano, es capaz de proponer ideas mas depuradas acerca de lo que el hombre a través de la historia ha venido construyendo con su sensibilidad; expresando sus inquietudes, sus ideas, sus tendencias, su manera de ser y de expresarse; estos son elementos y valores que el arte manifiesta de forma muy sutil, pero que dicho conocimiento siempre estará abierto a todo ser humano.
Quien ignora el arte o quien maneje conocimientos imprecisos o muy deficientes de el, obtendrá por resultado que el individuo carezca de las oportunidades que el arte da ala expansión del espíritu a la complacencia y el halago que se alcanza con la contemplación y la apresiasion de la belleza apreciar

(1) (Para teoría del arte véase: Estética, Crítica literaria. Para técnica e historia del arte véase: Arquitectura, Vestimenta, Danza, Teatro y arte dramático, Música, Novela, Pintura, Poesía y Escultura.)
(2) (Tomado de la enciclopedia Encarta)

LA APRECIACION ARTISTICA

DEFINIENDO EL ARTE


Definir el arte ha sido una tarea ardua a través de la historia, que comienza a partir de lo que puede ser la primera obra de arte hace aproximadamente unos cincuenta mil años y de hecho tal definición, ha ido variando según la concepción que el hombre ha realizado de lo bello o de lo que hemos denominado estética o de hecho la definición se ha ido modificando cada ves que aparecen innovaciones, pero que en efecto hace referencia a ese contexto del arte como forma o manera de hacer las cosas; esto nos muestra al arte como un trabajo, oficio o tarea, pero reflexionando siempre frente a lo “bello”, que puede ser lo que se crea en el mundo real de forma material o inmaterial.
Etimológicamente, la palabra arte proviene del griego “aro” que traduce “yo dispongo” y que para los latinos proviene de la palabra “ars”, que traduce habilidad haciendo referencia a las acciones que requieren una especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería, el arte de jugar al ajedrez o también, el arte de la pesca y la caza.
Sin embargo y analizándolo bien, el concepto hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo,
que abarca las diferentes desiplinas artísticas como la musical, lo literario, las artes visuales, la danza y las artes escénicas; el arte procura en la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades especiales que transforman de alguna u otra forma la vida humana; como sucede tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades el arte se ha combinado funcionalmente con la estética de una forma práctica pero, en los alrededores del siglo XVIII el mundo occidental empezó a distinguir el arte como un valor puramente estético que además, tenía una función práctica; las bellas artes o “beaux arts” en francés refiriéndose a las artes de la literatura, la música, la danza, la pintura, la escultura y la arquitectura, centran su interés en la estética; las consideradas artes decorativas, artes aplicadas o menores, Como la cerámica, la metalistería, el mobiliario, el tapiz y el esmalte suelen ser artes de carácter utilitario y durante cierto tiempo fueron denominadas “oficios”; ya que en la Escuela de Bellas Artes de París, por tradición artística sólo se impartía la enseñanza de las principales artes visuales y muchas veces este término se ha utilizado de un modo bastante restringido para referirse sólo al estudio del dibujo, la pintura, la arquitectura y la escultura; pero, desde mediados del siglo XX, los intereses cambiaron por las tradiciones populares no occidentales y tomo mucha importatancia el desarrollo del trabajo individual por parte de una sociedad mecanizada y dirigida a nuevas revoluciones sociológicas y tecnológicas, esto hizo que esa vieja diferenciación fuese cada vez menos clara y que se consideren artes tanto las unas como las otras.

LOS ORIGENES DEL BOLERO

BOLEROS PARASIEMPRE
Acerca del bolero puedo decirles, parece ser que sus raíces están en España, un género musical, que pronto comenzó a desarrollarse en varios países hispanoamericanos como Argentina, Colombia, Cuba, Ecuador, España, México, Perú, Puerto Rico, Venezuela, y otros; está relacionado con los compases de la contradanza del siglo XVIII, son identificables en este género, algunos elementos rítmicos en formas de composiciones que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX como el danzón y la habanera, precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero.
En el año de 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas.
El bolero llego hasta América desde Europa, como una danza de movimiento ligero al principio, pero que luego se fue fusionando con elementos del folclor de los pueblos iberoamericanos; entre sus orígenes posibles, pudiera estar influenciado por manifestaciones musicales cercanas a los gitanos. Su nombre puede provenir de la expresión «Volero», de volar, y las danzas gitanas que a veces se hacen con movimientos agudos y rápidos parecidas al vuelo de las aves; además, si nos fijamos en la instrumentación musical de las danzas gitanas, notamos guitarras y cajones, además del aplauso y del uso de las palmas de las manos
Se dice que el bolero habría llegado a América a comienzos del siglo XIX con una compañía de baile española llevada a Cuba, donde la fusión con los ritmos africanos del Caribe, dio como resultado el compás cadencioso como lo conocemos en su acompañamiento clásico: con unas guitarras y unos bongós, congas o tumbadoras y maracas como percusión; ya se los podrán imaginar, tal fusión no seria ajena a la incidencia del baile; en América, durante el siglo XIX también influyó en el bolero, la Romanza, una canción de origen francés y en 1832 se abre en La Habana una academia para la enseñanza de este baile, que ya para entonces estaba completamente divorciado de su origen español, era totalmente “criollo” en su nuevo estilo, con la influencia de un tipo de canción yucateca procedente de México, el ritmo pasa de ternario a cuaternario, conformándose la base del actual bolero.
Lo que conocemos como bolero típico cubano, surge definitivamente alrededor de 1840, se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886; aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos «clásico» (las guitarras y la percusión). Así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas.
Grandes exponentes del género bolero
En Argentina: Mario Clavell, Mabel Nash, Leo Marini (Alberto Batet Vitali), Carlos Argentino, Hugo Romani, Roberto Yanes, Gregorio Barrios, Chito Galindo, Fernando Torres, Danni Martin, Chico Novarro, Los 5 Latinos, Estela Raval, Violeta Rivas, Ramón "Palito" Ortega, el Trío Los Patricios, María Martha Serra Lima.
En Bolivia: Raúl Shaw Moreno.
En Brasil: Agostinho, Miltinho (Milton Santos de Almeida), Altemar Dutra, Los Indios Tabajaras, Simone (Simone Bitencourt De Oliveira), Bob Fleming (solista de saxo), Orquesta Serenata Tropical y Orquesta Románticos de Cuba.
En Chile: Raúl Videla, Antonio Prieto, Palmenia Pizarro, Sonia y Miriam, Rosamel Araya, Trío Inspiración, El Indio Araucano (Oswaldo Gómez), Mona Bell, Los Hermanos Arriagada, Los Huasos Quincheros, Los 4 de Chile, Estercita Soré y Lucho Gatica.
En Colombia: Amparito Muñiz, Carlos Julio Ramírez, Alberto Osorio, Bob Toledo, Víctor Hugo Ayala, Nelson Pinedo, Lucho Ramírez, Lucho García, Trío Martino, Trío Carabell, Trío Los Isleños, Oscar Agudelo, Alci Acosta, Tito Cortés, Juan Carlos Coronel, Carlos Arturo y Charlie Zaa.
En Costa Rica: Ray Tico, Memo Neyra, Rafa Pérez, Orquesta Maryval, Trío los Josefinos y Gilberto Hernández.
En Cuba: Los Hermanos Rigual, Antonio Machín, René Cabel, Beny Moré (Bartolomé Maximiliano Moré), Barbarito Díez, Ibrahim Ferrer, Vicentico Valdés, Fernando Albuerne (Luis Fernando Albuerne Garcell), Roberto Ledesma (Roberto José Ledesma Gayton), Rolando Laserie, Orlando Contreras, Fernando Álvarez, María Teresa Vera, Bertha Dupuy, Rita Montaner, La Lupe (Guadalupe Yoly Raymond), Celia Cruz, Blanca Rosa Gil, Olga Guillot, Omara Portuondo, Xiomara Alfaro, Elena Burke, Pablo Milanés, Bienvenido Granda, Lucrecia, Ramón Armengod y César Portillo de la Luz.
En Ecuador: Julio Jaramillo, Olimpo Cárdenas, Lucho Bowen, Julio César Villafuente, Trio los tres brillantes, Hugo Hidrovo, Héctor Napolitano, Victor Galarza, Enrique Gallegos Arends, Patricia González, Segundo Rosero, Mireya Levi, Duo Almar Pepe Jaramillo, Gabriel Vargas, Carlota Jaramillo, Marcelo Sánchez, Niko Pavón, Victor ArmijosRafel Jervis, Guillermo Rodríguez Rosalino Quintero, Wilson Carpio, Alberto Santana, Los Embajadores de Ecuador.
En España: Bambino, Moncho, Bonet de San Pedro, Juanito Segarra, Jorge Sepúlveda, Gregorio Barrios, Rocío Dúrcal, Dyango, Gloria Lasso, Mayte Martín, Pasión Vega, Martirio, Miguel Poveda, Ana Reverte, Lolita Flores, Manu Tenorio y Tamara.
En Estados Unidos: Nat King Cole (Nathaniel Adams Cole), Eydie Gormé y Linda Ronstadt.
En México: Pedro Infante, Javier Solís, Agustín Lara, María Grever, Consuelo Velázquez, Ignacio Fernández Esperón, Pepe Guizar, Los Panchos, Alfonzo Ortíz Tirado, Juan Arvizu, Luis Arcaraz, Pedro Vargas, Jorge Negrete, Ana María González, Toña la Negra, Graciela Olmos, Genaro Salinas, Nicolás Urcelay, José Mojica, María Luisa Landín, Roberto Cantoral, Los Hermanos Martínez Gil, Los Dandy's, Los Tecolines, Los Soberanos, Los Tres Diamantes, Los Santos, Los Tres Caballeros, Los Delfines, Los Tres Reyes, Rodrigo de la Cadena, Los Ases de Juan Neri, José José,Marco Antonio Muñiz, Sonia López, Armando Manzanero, Eugenia León, Fernando Fernández, Luis Miguel. En agrupaciones de estilo tropical encontramos a la Sonora Santanera como la Sonora Siguaray por mencionar algunos.
En Nicaragua: Rafael Gastón Pérez.
En Panamá: Carlos Eleta Almarán, José Luis Rodríguez Vélez, Chino Hassan, Ricardo Fábrega.
En Perú: Lucho Barrios, Pedro Otiniano, Johnny Farfán, Los Morunos, Iván Cruz, Los Hermanos Castro, Carmencita Lara y Christopher Sánchez.
En Puerto Rico: Daniel Santos, Tito Rodríguez (Pablo Tito Rodríguez Lozada), Vitín Avilés, José Luis Moneró, Bobby Capó, Julio "Julito" Rodríguez, Roberto Cole, Hernando Avilés, Myrtha Silva, Carmen Delia Dipiní, Johnny Albino, Trío San Juan, Trío Vegabajeño, Chucho Avellanet, Odilio González, José Feliciano, Cheo Feliciano, Santos Colón, Andy Montañez, Trío los Yeica y Danny Rivera.
En República Dominicana: Luis Alberti, Lope Balaguer, Bienvenido Brens, Elenita Santos, Teté Marcial, Nicolás Casimiro, Juan Lockward, Luis Kalaff, Julito Deschamp, Camboy Estévez, Aníbal De Peña, Rafael Colón, Rafael Solano, Alberto Beltrán y Maridalia Hernández.
En Venezuela: Lorenzo González, Lorenzo Herrera, Graciela Naranjo, Estelita Del Llano, Marco Tulio Maristani, Rafa Galindo, Luisín Landáez, Alfredo Sadel, Carlos Marroquí, Pedro La Corte, Felipe Pirela, José Luis Rodríguez "El Puma", Mirtha Pérez, Toña Granados, Floria Márquez, Wladimir Lozano, Oscar D'León (Oscar Emilio León Simoza), Los Naipes, Ely Méndez, La Rondalla Venezolana y Los Hermanos Rodríguez.
Referencias
años de boleros: Su historia Jaime Rico Salazar
del bolero Agustín Fernández Barros,1992
del bolero cubano 1883,1950Luis Antonio Bigott,Ediciones Los heraldos negros
Cervantes y la historia del bolero en México Samuel Flores Longoria
documental del bolero mexicano Pablo Dueñas H. Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Bolero

LA EXPERIENCIA CON EL "LAND-ART"

En los últimos tiempos el arte ha acogido en su seno (amplísimo y arbitrario) corrientes de todo tipo. Muchas de esas corrientes han resultado borrascas de creatividad y otras han caído en la mera anécdota, más valiosas por la propuesta que por sus resultados. Estamos hartos eso de oir que el arte ha de ser reflexión y concienciación de la vida que nos ha tocado vivir, un ensayo perenne sobre la Existencia (la grande, la que requiere mayúsculas por su desconocimiento), y de ello se nutren esos creadores de tendencias.

Alguien me dijo una vez que las mejores obras se realizan los primeros años de cada década, ignoro si eso es cierto, lo que está claro es que esa especie de “comienzo de curso” lleva a muchos artistas (término que ha perdido su significado) a replantearse formas y modos de representación.
Y llegamos al Land-Art. Una corriente que no es tal (¿cuantas corrientes juegan “a no ser corriente”?) y no tiene seguidores destacados. Quizás siempre se hable de Walter de Maria como acuñador del término, pero poco más. De hecho la idea del Land-Art es dejar una huella caduca en la propia naturaleza, algo que se pierde al caer en el revelado fotográfico, uno de las perversiones del hábitat de la propia naturaleza. Y digo caduca porque es la propia naturaleza la que se encarga de finiquitar la “supuesta obra”.
¿Merece el calificativo de obra de arte lo que hacen los integrantes de Land-Art? No voy a ser yo quién conteste aquí, si bien diré que como obra es bonita de ver. Aún cuando se hace desde esa región artificial que es la fotografía, desde ese lugar del que no ha sido llamado y para el cual no ha sido pensado, aunque sea su mejor conservador.