"EL CONGO JUACO ESCUCHANDO LA PALABRA LIBERADA" DE ÁNGEL LOOCHKARTT ESTUDIO SEMIOTICO

EL CONGO JUACO ESCUCHANDO LA PALABRA LIBERADA 

Ángel Loochkartt, es uno de los pintores importantes del caribe colombiano, inmerso en un mundo colorido como lo es esta parte del caribe, donde la pasión de pintar, se convierte en una verdadera experiencia plástica, muy personal; su obra constituye un ejemplo claro de semiosis, con lo que podemos tratar y reflexionar acerca de cada una de las de las seis funciones de la comunicación: función Referencial, Función Emotiva, Función Poética, Función Conativa, Función Fática,  Función Metalingüística.

Comenzaré este análisis, tratando la función referencial en la obra “El Congo Juaco Escuchando La Palabra Liberada” del reconocido artista Ángel Loochkartt, para luego pasar al resto de las funciones de la comunicación; en lo referencial encontramos que la obra tratada desde las bases del expresionismo, es notable que el artista posee algunos referentes de artistas expresionistas como James Ensor, por el afán de penetrar con cierta obsesión en mundos de apariencia alegre como lo muestra el Congo Juaco y oskar kokoshka, por la manera como el artista dispone la  intención de agitar los movimientos de inspiración; de esta manera o al menos, sus pincelada nos recuerdan a estos artistas expresionistas.

Oskar Kokoshka “El Huevo Rojo”

   James Enssor “La Intriga”                                                            

“De lo que tantas veces se ha dicho teóricamente sobre este estilo que halló sus manifestaciones más típicas dentro del mundo germánico: que los sentimientos, fuerza motriz de la expresión, no sean sumergidos por la pintura ni representados por ella, sino que sean ella misma. También es ejemplar expresionista Loochkartt por la facilidad con que en los momentos de creación hace emerger lo patético, oscureciendo toda otra manifestación del alma.” (Tovar, 2007)

Un referente poderoso en la obra de Ángel Loochkartt, es ese referente íntimo que le otorga a esta obra una fuerza interna impresionante que se hace expresiva al espectador y es su conexo más cercano: “el carnaval”, la fiesta emblemática de barranquilla, capas de elevar lo sugerente a niveles muy alto.

La Función Emotiva, obedece a la expresión del artista para el espectador, de manera que el artista en esta obra, evoca una serie de elementos plásticos capaces de comunicar al espectador todas las ideas que el artista concentra en sus obras; uno de esos elementos es el color, la textura y la composición, con lo que el artista trasmite esas sensaciones de alegría y euforia que manifiesta el carnaval, como fiesta que el artista ha vivido toda su vida y que manifiesta atraves de la pintura de un personaje carnavalero como lo es un congo, en su acto fiestero como persona que asume su papel de ese personaje que  para el carnaval de barranquilla, adquiere un título de líder de la fiesta.

Lo poético es una temática siempre alterna a las obras de Ángel Loochkartt, ya que estas, siempre mantienen un mensaje implícitos en sí mismas por lo tanto, forma parte de su trabajo y el congo Juaco no queda exento de poéticas; en esta obra, el espectador queda inmerso en el colorido de las formas y estas, además del personaje está acompañado del bestiario carnavalero evocando a si el rigor de la fiesta y el sentimiento que inspira el carnaval.

Las poéticas recuerdan el sentimiento puro del artista, por las vivencias que ha podido captar de sus realidades y las emociones que solo el carnaval produce en las personas, en este caso el congo Juaco no puede escapar a esas emociones que nos puede trasmitir a través de su imagen elocuente y vivaz.

Lo que corresponde al receptor o la Función Conativa, la respuesta que ofrece el observador frente a la obra, es totalmente emocional y está directamente conectada con el personaje central de la obra. El congo Juaco es expresivamente detonador de emociones y causa un interés inmediato porque el espectador se conecte con la obra, tal conexión mantiene un alto nivel de comunicación, capaz de desentrañar las complejidades estéticas de la obra y además, complejidades personales que implican el entendimiento de las obras y sus elementos plásticos.

Lo conativo es esa contestación frente a la obra, todo lo que un espectador puede reflexionar, a partir de lo que ve y analiza tanto de la obra como, como en su autor. Todo aquello que como mensaje llega hasta el espectador es decodificado para convertirse en un goce estético transmitido por el artista al espectador

La Función Fática, en esta obra se ve representada a través de la técnica de pintura que el artista utiliza como canal para llevar su mensaje hasta el espectador y se identifica cuando la comunicación se centra en establecer, cerrar o verificar la calidad del contacto entre los interlocutores. (Rojas, 2010).

El artista utiliza una técnica de pintura que nos recuerda al fauvismo y al expresionismo alemán, lo que nos lleva inmediatamente a la identificación de un estilo propio desde esas experiencias expresionistas; es notable el uso también del dibujo matizado del color lo que vuelve al congo Juaco, una pintura cargada de colores que llegan directamente al ojo del espectador.

Finalmente, luego de analizar la técnica pictórica como un canal de comunicación en la pintura, analizaremos ahora, la Función Metalingüística, basada en cada uno de los elementos simbólicos de la obra que el artista ha generado para la creación del Congo Juaco; cada signo y su nivel de significación en esta obra nos remite a una reflexión semiótica, ya que la obra está cargada de contenidos simbólicos significativos para nuestro mundo costeño.

Lo metalingüístico sería ese conjunto simbólico inmerso en la obra “El Congo Juaco Escuchando La Palabra Liberada” del artista Ángel Loochkartt; la obra encuentra en esta semiosis, su significación estética con la que el artista traza su mensaje explícito al observador.

Bibliografía

Rojas, C. R. (25 de 10 de 2010). LENGUAJE Y ENSEÑANZA MEDIA. Obtenido de LENGUAJE Y ENSEÑANZA MEDIA: http://eca-lenguaje y comunicacion.blogspot.com.co/2010/10/funcion-fatica-o-de-contacto.html

Tovar, G. (04 de 2007). Ángel Loochkartt. Obtenido de Ángel Loochkartt: http://angelloochkartt.blogspot.com.co/2007/04/expresionista-sin-ms-remedio.html

Análisis Crítico Icono Textual de la Obra “Silencio” del Artista Cristo Hoyos

Antes de adentrarnos en la obra de Cristo Hoyos, veo pertinente recordar algunos sucesos históricos, que han tenido acompañamiento artístico por parte de reconocidos artistas que han desarrollado trabajos que hoy nos dejan ver realidades y problemáticas sociales, a modo de denuncia o de reacción a los sucesos que afectan sus entornos; es el caso de los muralistas del realismo social mexicano, estos artistas realizaron sus obras murales con el único fin de representar los acontecimientos políticos y sociales de la revolución y la causa indigenista mexicana, queriendo despertar así el arraigo a lo propio y a las causas que permitirían cambios en su contexto político y social.

Otro suceso similar es el encargo hecho a Picasso en España, su Guernica evidencia la inconformidad ante las injusticias de una dictadura militar desmedida, que autorizo un bombardeo a un pueblo español acusado de subversivo; la obra fue realizada por el artista con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

De esta misma forma, se evidencia el trabajo de Cristo Hoyos quien de alguna u otra forma, se mantiene en la firme resistencia de denuncia ante las situaciones que su entorno caribe ha tenido que soportar.

Cristo Hoyos es un artista del caribe connotado por su trabajo que denuncia problemáticas de su entorno, a manera de denuncias ante problemáticas y afectaciones que vienen desarrollándose en su región y en la región caribe, muestra las realidades de un pueblo que padece necesidades y violencias; frente a todo esto, pretende a través de su plástica, plasmar las realidades y vivencias en el entorno caribe. Las obras tratadas al óleo sobre papel, evocan problemáticas que se traducen al espectador en forma de pintura.

Son obras evidenciadoras, de situaciones que nos afectan no solo en el territorio de cristo hoyos, sino en todo el territorio del caribe colombiano; tales afectaciones se encuentran fielmente representadas en la constante denuncia del artista, por encontrar la atención no solo de los gobiernos sino tambien de las comunidades, ante las situaciones que se viven en estas dimensiones del territorio colombiano.

Se ubica a Cristo Hoyos, en el entorno del caribe colombiano como un artista arraigado a su tierra, (Sahagún, Córdoba) región de contrastes que ha tenido que vivir situaciones en donde las desigualdades sociales, se han desbordado en una serie calamidades reflejo de la situación que vive el territorio cordobés; incursión guerrillera, para militares, narcotráfico, han hecho de esta región un espacio vulnerable, de urgentes cambios sociales y de carencias de toda clase de ayudas que puedan fortalecer el tejido humano en esa región por parte de los gobierno, pero ante todo esto cristo hoyos es poseedor de los elementos identitarios que caracteriza al hombre caribe.

La obra “Silencio” lleva 15 años de trabajo; en todo ese laxo de tiempo el artista ha podido experimentar una serie de obras que destacan las realidades que propone en su temática. Tales obras ofrecen al espectador, las posibilidades de adentrarse en el mundo caribe que nos muestra Hoyos, la posibilidad de verlo todo en una obra que evoca desde las tragedias, hasta la alegría infinita de lo caribe, expresando a si su forma de comunicar sus angustias, deseos y hasta soluciones a las problemáticas que se evidencian en sus obras. 

Según el curador de la exposición “Silencio” de cristo hoyos, el reconocido profesor de la facultad de bellas artes de la universidad del atlántico, Néstor Martínez Celis, relaciona al artista con el artista ruso Ilya Kavakov, pero además de este artista, a cristo hoyos lo he relacionado con el artista sudafricano Willian Kentridge artista que con su obra, ha venido denunciando la problemática sudafricana.

Cristo Hoyos, es un artista que se mueve en el circuito de lo contemporáneo y junto a otros artistas de la región del caribe colombiano, pertenece a esa escuela del realismo social y del realismo mágico que lo identifica como un artista de las dimensiones del caribe. Hay que destacar en él, la manera de usar los elementos del arte contemporáneo aunque se encuentre aparentemente arraigado a la academia, la instalación y otros contextos estéticos contemporáneos, los vemos reflejados en sus obras.

La obra “Silencio” de Cristo Hoyos, evoca esa problemática que encierra la afonía y la mudez del caribe colombiano, ante una crisis de violencia y de malestares que abarcan la familia, el entorno y la naturaleza del paisaje, esta obra es mostrada por el artista como si fuera un icono identitario de violencias y de acciones que afectan esta región y que a un hoy, esta obra continua su enérgica denuncia de las afectaciones aun en este momento histórico pareciera que las tragedias para estas regiones no pasaran; de esta manera las significaciones de esta obra, las podemos encontrar en una reflexión propia, en la que el espectador se encuentra obligado a realizar su aporte a la obra misma y a revaluar su propio silencio ante su situación actual,

Esta obra, identifica claramente situaciones adversas, a través de una semiosis que muestra las alteraciones del entorno, por acciones violentas: flores, lazos y alambre púas, son los elementos compositivos de la obra de Cristo Hoyos, que expuestos en la sala de exposición, se ubican a manera de instalación ocupando un solo muro, recuerda y rememora, la esencia de la vida que se recuerda desde la tumba, de la cual ya no se podrá escuchar el clamor desatendido en vida.

Solo queda la confrontación de un solo silencio y ese es el silencio del espectador, a quien el artista intenta tocar con su obra, con el único objetivo de que el espectador, por fin pueda romper ese ensordecedor silencio que lo mantiene preso en su propia existencia ajena a darse cuenta de la realidad que vive como persona y la realidad de su entorno, afectaciones simultaneas que se dan en nuestro entorno caribe.

ESCULTURAS Y OTROS OBJETOS DE ARTE

ESCULTURAS Y OTROS OBJETOS DE ARTE

 POR: JOSE ANIBAL MOYA DAZA

 El arte escultórico ha sido una experiencia extendida por las civilizaciones del mundo a lo largo de la historia; como todas las artes, esta ha tenido su propia evolución y su propia tradición. En la actualidad la preocupación por algunas problemáticas bio ambientales y la influencia del arte contemporáneo ha llevado no solo a los artistas sino también a personas del común a proponer objetos de arte, construidos con materiales no formales experimentados como consecuencia del surgimiento de la sociedad posmoderna, ofreciendo respuesta al producto de desecho de las nuevas sociedades de consumo. 

El objetivo de este texto, obedece a los resultados y experiencias investigativas obtenidas a partir de la construcción de esculturas y objetos de arte mediante materiales reciclados su influencia y posibles aportes al medio ambiente, para pasar posteriormente, a contextualizar dichas reflexiones en un ámbito puntual: el artístico.

 ESCULTURAS Y OBJETOS DE ARTE 

La escultura es una expresión artística nacida en los inicios de la humanidad como experiencia creativa o como una práctica ritual del mundo primitivo; la escultura es el proceso de representación de una figura en tres dimensiones. El objeto escultórico es por tanto sólido, tridimensional y ocupa un espacio. (Juan, 1995) En un principio el hombre uso materiales que pudiera modelar como el barro, la arcilla, la cera y la piedra, también logro tallar la madera y otros materiales; luego descubrió el manejo de los metales y pudo fundir imágenes, más adelante el arte de la escultura tubo muchas variaciones en cuanto a la consecución de nuevos materiales como plastilina, resinas, poliésteres, plásticos y fibra de vidrio. (Sureda, 1988) 

Como ya se ha mencionado, la escultura se expresa a través del volumen y con el uso de espacios, incluye todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y modelado; básicamente, la escultura usa también diferentes combinaciones de materiales y de medios que en su uso, a principios del siglo XX dio origen a nuevos repertorios artísticos, que Comprende procesos de técnicas escultóricas mixtas. 

Con el tiempo, los escultores han buscado formas dinámicas para sus creaciones y para esto, han usado nuevos recursos, materiales y estructuras para su elaboración. En el caso de las nuevas tendencias escultóricas específicamente aquellas nacidas a principio del siglo XX estas han estado sujetas a los movimientos y tendencias artísticas desarrolladas durante este periodo y que están relacionados con movimientos artísticos como el expresionismo, el abstraccionismo y el conceptualismo. 

Hoy los desechos son materiales con los cuales es posible la creación de objetos escultóricos, estos materiales están relacionados directamente con la afectación del medio ambiente y han llamado la atención de numerosos artistas cuyas propuestas están conectadas con problemáticas ambientales, de esta forma hoy vemos escultores que trabajan con materiales no formales y con esto, su propósito es contribuir de forma pedagógica en pro del medio ambiente, en la búsqueda de conciencia ambiental; parte del objeto de este manual práctico es precisamente, adelantar un proceso de construcción de esculturas con materiales reciclables que no solamente involucre lo artístico y lo estético sino que también a modo pedagógico contribuya a procesos de conciencia ambiental y ecológica. 

Los objetos de arte también conocidos como “Arte Objeto” son creaciones escultóricas basadas en conceptos y que en nuestro tiempo son muy comunes, por ser creaciones de mucha presencia en el campo artístico contemporáneo y posmoderno. Los objetos de arte están concebido desde la informalidad de elevar  

LA IDEA DE CONSTRUIR OBJETOS DE ARTE 

La idea de construir objetos de arte se le debe a Marcel Duchamp y a otros artistas de las vanguardias a principios del siglo XX como pablo Picasso, Man Ray, Francis Picabia, entre otros artistas, quienes a Principios del siglo pasado comenzaron a crear una serie de objetos sugerentes que cambiaría el contexto escultórico tradicional. Chatarras y materiales que técnicamente hemos llamado no formales, constituye hoy, una forma nueva de hacer esculturas. 

Hay que dejar claro que la escultura moderna parte de la transformación del pensamiento de la escultura tradicional y que esta sigue vigente hoy y los escultores continúan partiendo de bases académicas. Para llegar al diseño escultórico moderno y contemporáneo. Los materiales usados en el tipo de escultura de reciclaje normal mente son tomados por el artista escultor como formas únicas, algunas con características y cualidades propias que desde el concepto del artista, el objeto reclama su estetización por su aspecto formal. 

El concepto que se atribuye al objeto encontrado, siempre va de acuerdo a las pretensiones del artista escultor y lo que este objeto puede sugerir al espectador entrando en una estrecha relación estética entre lo que en realidad es el objeto encontrado y lo que el artista atribuye al objeto al ser transformado o traspuesto; es el caso de algunas obras escultóricas que tiene su trasfondo constructivo. 

Hoy son muy comunes lo trabajos realizados con materiales reciclados como objetos de arte, una forma de hacer arte con cosas encontradas que estetizadas, encuentran una posición dentro de los nuevos conceptos en el arte; se trata de transformar objetos encontrados que antes tenían una función y que a través de la estetización artística se transforma en objeto de arte, ya sea artesanía o en escultura, una de estas formas o expresiones artísticas es el Bricolaje, que parte del sentido del “uso desviado de las cosas” lo que ya fue usado en su función real, a hora se leda otro uso (Ministerio de Cultura , 2009). 

 ANTECEDENTES DE LA ESCULTURA CON MATERIALES NO FORMALES

 La escultura con materiales reciclados o materiales no formales, fue asumida por los artistas del Dadaísmo hacia 1916; fue usado por artistas como Duchamp, Man Ray como Francis Picabia este último, combinó estas técnicas con arte tradicional y un ejemplo claro es su famosa obra en la que une peines a una pintura que representa el cabello; otra obra bien conocida es la de Man Ray The Guif o “El don” en español (Le Cadeau en Frances), esta obra está dentro del contexto de los llamados ready-made; obra que fue realizada por el artista, con la ayuda de Erik Satieque y consiste en una plancha con catorce clavos pegados en su parte inferior, realizada en 1921 en París. En 1917 aparece la obra “fuente” que consistía en la exposición de un orinal firmado con un seudónimo, “R. Mutt” y que causo mucha admiración; Duchamp, había cambiado la noción del objeto de arte y de esta obra surgieron numerosos comentarios, en referencia a esta obra. 

 En el editorial de la revista The Blind Man de 1917 se dice: “El hecho de que el señor Mutt realizara o no La Fuente con sus propias manos carece de importancia. La eligió. Cogió un artículo de la vida cotidiana y lo presentó de tal modo que su significado utilitario desapareció bajo un título y un punto de vista nuevos. Creó un pensamiento nuevo para ese objeto”. (Tomkins, 1996) 

En adelante, el uso moderno de objetos encontrados suscitó la hostilidad desde el principio, cuando La fuente de Duchamp fue rechazada por la ofendida Sociedad de Artistas Independientes de 1917 diciendo que eso no era arte. Las vanguardias artísticas de principios del siglo XX dieron paso a la combinación de varios objetos encontrados; de esta forma surgen los primeros objetos de arte llamados Ensamblajes (Assemblage) técnicas muy usadas por el artista Pablo Ruiz Picasso, que junto a Duchamp quedan ejemplificados por sus obras. 

 Cuando en 1936 se celebró la Exposición Surrealista de Objetos, se había desarrollado toda una subclasificación entre objetos encontrados (found objects), preparados (ready-made), perturbados (perturbed), matemáticos, naturales, naturales interpretados, naturales incorporados, oceánicos, estadounidenses y surrealistas. 

En este momento, el líder surrealista, André Breton, definió a los objetos preparados como “objetos manufacturados elevados a la dignidad de obras de arte a través de la elección del artista”. (The Independent, 2009) Pablo Picasso usó objetos encontrados y realizo obras escultóricas sugerentes para la época, sus ensamblajes hoy son reconocidos como verdaderas obras escultóricas, es bien reconocida su obra de 1913 titulada “guitarra” que consistía en la disposición de cartones, papel, cuerdas y alambres pintados. (Ars Magazine Revista de Arte y coleccionismo, 2011) 

En los años sesenta los objetos encontrados estaban presentes en la obra del movimiento Fluxus y también en el Pop art; de esta forma, Joseph Beuys mostraba objetos encontrados modificados, como piedras con un agujero en la que se incluía piel y grasa, o una furgoneta con trineos por debajo y una viga oxidada. (wikipedia, s.f.) Hacia 1960 el artista Wolf Vostell usaba televisores y partes de coches en sus obras, dejando a si las iniciativas para un nuevo género escultórico como lo es hoy la chatarra. 

Hoy nos encontramos con numerosos artistas que trabajan diferentes técnicas escultóricas, desarrolladas a través de materiales reciclados; estos artistas han trabajado en base a las experiencias vanguardistas y los temas desarrollados por algunos de ellos evocan no solo problemáticas ambientales, si no situaciones socio estéticas que van desde el querer aprovechar el material desechado para estetizarlo, hasta desafiar las tendencias del arte de hoy. 

 Podemos considerar en el caso de materiales como la chatarra que esta se ha convertido en toda una tendencia escultórica a lo largo de los últimos años y podemos asegurar que las esculturas de chatarra metálica no son un fenómeno exclusivo de Estados Unidos como se ha creído siempre, sino que en distintos países del mundo se viene trabajando este tipo de esculturas. 

 Citemos a los escultores de chatarras y de materiales reciclados de Zimbabue, los artistas toman de la basura para crear pájaros de metal; el artista Ara Alekyan, de Armenia, es considerado un maestro del arte de la chatarra; en México, han sustituido por largo tiempo losas de estaño en lugar de lienzos cuando crean sus pinturas de exvotos dedicadas a los santos; un grupo de víctimas de poliomielitis.  

En Tanzania hacen artesanías con chatarra en forma de barcos, aves y animales; en nuestro país existen numerosos artistas que toman materiales no formales, chatarras y otros materiales de desecho para crear sus esculturas con fines ambientales; de esta forma podemos darnos cuenta que este tipo de escultura se vuelve cada vez más atractiva para los creadores inspirados en el uso de materiales no formales.

 LOS MATERIALES RECICLABLES PARA LA CONSTRUCCIÓN DE ESCULTURAS 

 Los materiales usados en este tipo de escultura ya sabemos que son materiales no formales o materiales reciclados; por lo tanto existe hoy, una gran variedad de ellos que van desde materiales sintéticos, hasta materiales orgánicos útiles al propósito escultórico. Cada uno de estos materiales reciclados presenta características especiales para el desarrollo de la idea escultórica que se quiere e identifica el proceso técnico a tratar de acuerdo al material; en este caso no podemos pre diseñar una escultura con materiales reciclables ya que una parte del diseño de pende algunas veces del azar, algo que hace parte del proceso compositivo y estético en el objeto de arte. 

Estos materiales se usan de acuerdo a la naturaleza creativa y estética de quien construye el objeto de arte, cartón, vidrio, madera, papel, metal chatarra, chatarra informática, icoport, entre otros materiales útiles a este propósito.

 Materiales como los envases plásticos, tapas y tapones de botellas, material de plástico en general; papel, cartones, metales chatarra, chatarra informática, caucho, vidrios entre otros, son los materiales más usados en los proyectos de esculturas con materiales reciclables 

 HERRAMIENTAS 

Son necesarias herramientas manuales de corte, de percusión y algunos útiles de medidas; herramientas como exactos, tijeras, seguetas, serruchos, taladros, remachadoras, equipos de pintura como aerógrafos entre otros, muy fundamentales para el desarrollo constructivo de los objetos de arte; de esta forma las herramientas y equipos usados en el proyecto escultórico se usan de acuerdo a la naturaleza constructiva del objeto a construir y según el material usado. 

 DISEÑO Y COMPOSICIÓN DE ESCULTURAS 

No existen normas básicas precisas para diseñar esculturas con materiales reciclados. En este tipo de esculturas, el artista se apropia de formas no convencionales y realiza un procedimiento totalmente distinto al que se ejecuta dentro del contexto de escultura académica; los materiales que se usan, son formas que al hacer un todo o composición transmiten una belleza especial al objeto de arte. 

Las características que presenta el objeto de arte resultante, son las de una escultura conceptual inspirada en el arte de vanguardia; en este caso hay que resaltar el hecho de que la sola elección de alguna de estas características, eleva a los objetos seleccionados a la calidad estética de obra de arte. Finalmente, para construir objetos de arte con materiales reciclados sencillamente, tenemos que basarnos en las normas básicas de la composición tridimensional, teniendo en cuenta que nos enfrentamos a la construcción de un objeto con lecturas conceptuales por su estrecha conexión a lo socio estético y a su origen popular. 

Se puede indicar un procedimiento práctico y dinámico para la construcción de las esculturas y de objetos de arte con materiales reciclados y dará unas pautas muy básicas de construcción del objeto escultórico; estas pautas son muy generales pero funcionales para construir este tipo de esculturas. La construcción de esculturas con materiales reciclados está relacionada en este caso, a una temática bio ambiental si a si se quiere ver pero, hay que resaltar que ese hecho es más que todo conceptual y su lectura brindara un juicio estético abierto del objeto de arte resultante.

   El diseño para este tipo de esculturas, nace del pensamiento o de la idea que se quiere realizar pero no parte del azar, sino de una idea preconcebida que se dibuja en el pensamiento y que da origen a un boceto previo; técnicamente hablando, lo que se hace es la aproximación a un taller de expresión tridimensional, planteando bien sea modelos o prototipos conceptuales, de ir más allá de la elaboración de maquetas para la construcción de las esculturas; por eso, se parte del diseño tridimensional o específicamente el artista o la persona, se enfoca en el estudio para la creación de módulos y estructuras básicas que nos permitan el diseño tridimensional (Wusius, 1991) y la construcción de esculturas con materiales reciclables. 

 TÉCNICAS ESCULTÓRICAS CON MATERIALES RECICLADOS

 Todas las técnicas escultóricas contemporáneas, tienen su origen en las tendencias de las vanguardias de principio del siglo XX como ya lo hemos mencionado y específicamente del Dada; movimiento cultural, artístico, con claras posiciones de reacción frente a todo lo pre establecido bajo parámetros académicos más exactamente, se centra en oposición al pensamiento positivista de la época (1916). (Mario, 2002) Estas tendencias fueron influyentes para el pensamiento artístico en el campo escultórico y hoy los elemento que caracterizaron los primeros objetos de arte u objetos encontrados; existen hoy, numerosas técnicas para el tipo de esculturas que se realizan con materiales reciclables que difieren en métodos constructivos según el material reciclado usado. Entre las técnicas que citaremos en este artículo tenemos los Ready-Made, los Ensamblajes, El bricolaje o Bricolage y la Escultura en Chatarra. 

 READY-MADE 

 En realidad no existe una definición precisa de lo que es un ready-made. Marcel Duchamp nunca acabó de definirlo del todo, o no quiso hacerlo, en esa ambigüedad también residía parte de su esencia. 

El ready-made era lo más opuesto al arte “retiniano” –vale por estrictamente visual- que quiso desterrar Duchamp en toda su obra. Era lo que más se aproximaba a esa “cosa mentale” que creía que debía de ser el arte, al menos el que le interesaba a él. (El Bucle, 2010) El Ready Made, forma parte del grupo de objetos de arte llamados “arte encontrado” más conocido como objeto encontrado, que es una tendencia del arte contemporáneo; describe el arte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos, a menudo porque tienen una función no artística, sin ocultar su origen, pero a menudo modificados.

 Marcel Duchamp fue su creador a principios del siglo XX. (Marshall Raeburn, 2014) Para Octavio paz en su libro “Apariencia Desnuda la Obra de Marcel Duchamp”, Los ready-made son objetos anónimos que el gesto gratuito del artista, por el solo hecho de escogerlos, con-vierte en obras de arte. Al mismo tiempo, ese gesto disuelve la noción de "objeto de arte" (Octavio, 1998) Los Ready Made tienen su respaldo en la escultura contemporánea y en el ejercicio estético del objeto de arte, para los artistas contemporáneos, la construcción de Ready Made sigue siendo una acción conceptual que evoca la acción plástica mucho más allá del objeto y que este, aun produce reacciones sensibles en el espectador por sus concepciones sociológicas y antropológicas. 

 ENSAMBLAJE O ASEMBLAG 

 Es una técnica escultórica moderna que reúne materiales de diversas y diferentes características que consiste en colocar, pegar o soldar objetos que no son artísticos para crear una escultura u objeto de arte tridimensional, el ensamblaje o assemblage, es lo más parecido a un collage tridimensional y como técnica tuvo su inicio a principios del siglo XX con el movimiento dadaísta y tubo su apogeo en los años 50tas. (Andreu, 2010) 

 El primer artista creador de un ensamblaje fue Pablo Picasso en el año de 1913 al crear su famosa Guitarra hecha con cartón, papel, cuerda y alambres pintados; Marcel Duchamp, también junto una rueda de bicicleta a un banco y lo llamo “Ready Made”. Este estilo renovó la forma de hacer esculturas de la manera tradicional que era moldear y tallar piedras o modelar un molde que entonces sería transmitido en bronce. 

 Los ensamblajes también son abstractos como las piezas de metal de carrocerías de carro que usa John Chamberlain; el ensamblaje o assemblage continúa hoy usándose en diferentes propuestas de artistas contemporáneo esta vez admite materiales y objetos, desechos de la nueva sociedad de consumo. Los artistas más representativos de esta técnica son: Joseph Beuys, Bruce Conner, Joseph Cornell, Edward Kienholz, Marisol, Louise Nevelson, Arman, Karel Appel, Louise Bourgeois, Robert Rauschenberg y John Chamberlain. 

 BRICOLAGE O BRICOLAJE 

 Es una técnica que en las artes plásticas se identifica como la manera de darle a los objetos un uso indirecto y que este no es una técnica nueva si no que como dice el libro de los laboratorios de investigación creación El Uso del Mundo Valledupar 2009: bricolaje (o bricolaje) palabra que define el uso desviado que desde la prehistoria hemos dado a lo que nos rodea. (Ministerio de Cultura , 2009) 

 El Bricolaje constituye un arte creado con la única idea de reutilizar materiales, para darles un fin artístico; al final el resultado es un objeto artesanal o artístico que bajo el juicio de estetización, estos objetos resultan ser obras de arte. 

Los Bricolaje son expresiones escultóricas relativamente nuevas y se debaten en entre la modernidad, posmodernidad o contemporaneidad, destacan el hecho de declaración del arte al objeto en su configuración estética desde el uso desviado de las cosas; hoy es una manifestación artística que desde el ámbito de lo popular propone la construcción de objetos con materiales reutilizables o reciclados y que dentro del pensamiento de lo que puede ser el arte ambiental, su uso estaría proponiendo lecturas pedagógicas en torno a lo bioambiental. 

 LA ESCULTURA EN CHATARRA

 Los Ready Made y los ensamblajes, fueron expresiones que guardan correspondencia a los objetos encontrados y entre ellas se desarrolló el arte o la escultura con chatarra, esta ha venido dándose desde las vanguardias y hoy hace parte de un género escultórico alternativo acogido por el escultor contemporáneo. Hoy es casi que normal ver numerosos artistas trabajando este tipo de esculturas alrededor del mundo. 

La belleza de la escultura en chatarra radica en cómo se mantienen fieles a sus orígenes, ser partes de automóviles, pedazos aleatorios de partes de computadoras o pedazos de aparatos deshechos, a la vez que funcionan como trabajos de arte. 

La mayoría de los artistas que trabajan con chatarra metálica utilizan soldadura para darle una nueva forma y unir los diversos componentes, dando así a los desechos un nuevo propósito así como un poco de alma.

 LA EXPERIENCIA DE LA ESCULTURA CON MATERIALES RECICLABLES Y EL MEDIO AMBIENTE

 Para un mundo dominado aun por las sociedades de consumo y por las tecnologías de este mundo globalizado, el reciclaje se ha convertido en una necesidad y al igual que el arte, hoy cumple una función social. En estos días la naturaleza presenta problemáticas que se reflejan en el medio ambiente, debido a la acción del hombre a través de sus procesos industriales; como consecuencia a toda esta problemática; Carmen Andreu, profesora titular de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla comenta en su artículo Arte, medio ambiente y educación ambiental publicado en 2010 en la revista Aula Verde; ella dice que “el arte adopta nuevos discursos que se caracterizan, en general, por acentuar los orígenes biológicos del ser humano y su continua pertenencia y dependencia de la comunidad biótica. 

Se trata de aquellos movimientos del arte contemporáneo que desarrollan nuevos modos de relación con el entorno a través de la intervención directa en el medio”. (Andreu, 2010) Estas intervenciones artísticas en el medio ambiente citadas por Carmen Andreu, corresponde a un modelo que desde las vanguardias del siglo XX hasta nuestros días, los artistas y personas preocupadas por la acción ambiental vienen desarrollando obras dentro del entorno con materiales reciclados; estas no son solo acciones o expresiones artísticas que se desarrollan exclusivamente en países subdesarrollados, las podemos ver en el entorno mundial como reacción ambientalista y forma de colonización de espacios con objetos encontrados.

 El medio ambiente, se transforma hoy en escenario propicio de creación y que a través de objetos y esculturas con materiales reciclados las comunidades ejercen acciones pedagógicas y socializadoras esta, ayudan a generar espacios creativos que por ende son generadoras de impactos ambientales; lo que se considera basura, puede utilizarse en la creación de una obra de arte. Son numerosas las experiencias artísticas basadas en la utilización de materiales reciclados o no formales; hemos visto como a través de la historia del arte contemporáneo, estas experiencias han venido tomando fuerza entre las comunidades de las nuevas ciudades con artistas que buscan intervenir las ciudades con cosas que aparentemente “ya no sirven”; estas acciones llevan a las comunidades a la reflexión de lo artístico frente a la situación ambiental en la que vivimos hoy. 

El artista alemán HA Schult, es el pionero del arte medioambiental, ocupa los espacios públicos con figuras humanas fabricadas con desechos, las figuras escultóricas de Schult son una clara muestra reaccionaria del arte ambiental que se revela ante el mal direccionamiento de los materiales de desecho, una forma de atajar la agravante masificación de desechos industriales y de la sociedad consumista.

 A si como HA Schult, existen numerosos artistas con proyectos encausados hacia el arte ambiental; artistas como Tim Nobel & Sue Webster conocidos por su arte a partir de la basura recogida de las calles de Londres, contribuyen a encausar la expresión plástica hacia acciones ambientalistas. Otro artista del arte ambiental es Frank Russell que se ha especializado en construir esculturas a partir de objetos encontrados en la calle, latones, plásticos y metales, son los materiales utilizados por este artista. 

En nuestra región Caribe, también tenemos artistas que utilizan materiales reciclables en la construcción de esculturas; artistas como Jacqueline Celedon que identifica materiales encontrados, piezas puntuales que para ella son relevantes en la construcción de sus esculturas, Celedon toma objetos de desecho, reciclables; objetos que para el observador podría ser considerado como “basura” pero la artistas es consciente de que esta acción plástica contribuye a generar impactos ambientales en su entorno. 

Otros proyectos relevantes en nuestro territorio caribe es el trabajo del artista plástico Eduardo Butrón cuya obra artística esta estrechamente unida a una causa ambiental en correspondencia a la preocupación permanente con su entorno; Butrón reúne material que el mismo selecciona de la basura flotante en el río magdalena y la transforma en objetos de arte; bolsas plásticas, tapas y tapones de botellas y frascos, metal corroído entre otros materiales son funcionales a su obra, de la cual reflexiona planteándose estas preguntas: “¿Cuánto más aguantará nuestros excesos la madre naturaleza? ¿Cuál es el precio que pagamos ante nuestra ignorancia sobre el tema ambiental?” De esta manera, Eduardo Butrón lanza atraves de sus obras un sin número de denuncias ecológicas que despiertan reacciones en su comunidad con respecto a las problemáticas ambientales de su entorno. 

Otro artista de la región es Juan Zuleta, artista emergente que realiza esculturas en chatarra; este joven artista reúne materiales como metales, latones, desechos, piezas de máquinas y demás objetos chatarra que reunidos en composición, arma figuras humanas, animales y objetos con los que expresa su sentido artístico y su preocupación por el buen uso de estos materiales que le transmiten el fluido creativo que evocan este tipo de desecho. 

 Finalmente, la actividad artística especialmente la escultórica, como experiencia dinámica que facilita procesos ambientales, es una acción que involucra no solo al artista y a su obra sino que plantea una interacción directa entre artista, obra de arte, el entorno y el medio ambiente, generando a si acciones de tipo socio estético, producto de la interacción del objeto de arte que interviene el espacio de las comunidades y que a través de la propuesta artística se complementa con el pensamiento creativo del artista y la gente que quiere expresarse tratando de desdibujar una realidad ambiental preocupante. 

 BIBLIOGRAFÍA 

Andreu Carmen. Arte, medio ambiente y educación ambiental; Aula verde: revista de educación ambiental 2010 Ars Magazine Revista de Arte y coleccionismo. (2011). Obtenido de Ars Magazine Revista de Arte y coleccionismo: http://www.arsmagazine.com/noticias/actualidad/20110331658/la-guitarra-y-pablo-picasso eHow. (s.f.). Obtenido de eHow: http://www.ehowenespanol.com/esculturas-chatarra-metalicasobre_95066/ El Bucle. (2010). Obtenido de El Bucle: https://elbucle.wordpress.com/2010/10/09/el-botellero-de-r-mutt//Marshall Raeburn Found Jose, M. G. (1995). Las Claves de La Escultura. España: Planeta. uan, M. G. (1995). Las Claves de La Escultura. Planeta. Mario, M. (2002). Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid: Alianza Forma. Marshall Raeburn. (2014). Obtenido de Marshall Raeburn: http://marshallraeburn.com/ Ministerio de Cultura . (2009). Laboratorio de Investigacion Creacion "El Uso del Mundo . Valledupar. Octavio, Paz. (1998). Apariencia Desnud La Obra de Marcel Duchamp. Alianza Editorial. sureda, j. (1988). Sureda, Joan . Historia Universal del Arte: Las primeras civilizaciones Volumen I. Barcelona:: Editorial Planeta. ISBN 84-320-6681. The Independent. (2009). Obtenido de The Independent: http://www.independent.co.uk The Independent. (2009). Obtenido de The Independent: http://web.archive.org/web/20090302081712/http://www.independent.co.uk/ Tomkins, C. (1996). Dchamp: Una Biografia. Barcelona: Anagrama. wikipedia. (s.f.). Obtenido de wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_encontrado Wusius, W. (1991). Fundamentos del diseño. Barcelona: Gustavo Gili S.A.

LA SITUACIÓN ACTUAL DE LOS MUNICIPIOS DEL SUR DEL CESAR FRENTE A LA PROBLEMÁTICA DE LAS POLÍTICAS CULTURALES DEL SECTOR
Por: JOSE ANIBAL MOYA DAZA


El departamento del cesar es un territorio de muchas afluencias culturales, rico en talentos artísticos que se destacan en sus tradiciones y en el folclor que lo identifican como una región de contrastes culturales, que lo hace importante para su gente y para la nación misma; pese a esas características especiales que posee el departamento, analizando bien su situacion en cuanto a cultura y actividades artísticas se refiere, no existe un relación o un análisis diagnóstico, que replante claramente la situación actual del sector, la actividad de las artes plásticas y visuales en el departamento es ciertamente preocupante, pese a la gran diversidad del talento artístico que se encuentran concentrados en esta región del país; parece ser que la tendencia de estos últimos años en esta región ha sido la centralización y concentracion de la actividad plástica y visual en la capital y esta actividad no se ha reflejado de manera equilibrada en el departamento, ni siquiera en la misma capital del departamento, de manera que estas dinámicas, pudiesen adelantar procesos plásticos, en toda la región.
No podemos explicarnos que ha pasado, pero si podemos afirmar que las políticas culturales que se generan en las subregiones del departamento no son las más idóneas para el avance en estas áreas de la accion plástica-visual y por lo tanto, no se han podido desarrollar verdaderos procesos de aproximacion hacia una verdadera actividad artística que genere soluciones a esta problemática de estado en los municipios del departamento del cesar.
La experiencia vivida en el sur del departamento, a través de los talleres de investigación creación, en los municipios de Rio De Oro, Aguachica, Gamarra y Chimichagua, arroja un interesante análisis de la situacion y es urgente un diagnostico critico de esta situacion.
La actual, situacion en cuanto a artes plásticas y visuales se refiere en estos municipios del sur del departamento es crítica y la actividad en esta área es muy mínima, los escasos artistas y artesanos de la región no estan organizados y se encuentran en un estado de abandono y de deficiente apoyo estatal, las políticas culturales gubernamentales no son las más óptimas para enfrentar esta situacion y a todo esto hay que agregarle que las entidades encargadas del desarrollo de la actividad artística en estos municipios, como las casas de la cultura, sus directores no tienen autonomía presupuestal para desarrollar los planes de accion y las actividades de capacitación que se requieren para el buen desarrollo de este programa tan importante para la comunidad artística y para la región en su querer avanzar cultural.

Es pertinente que los organismos estatales, tomen pronta medida en tratar de solucionar esta problemática, ya que el deterioro es cada vez más amplio especial mente en los municipios de rio de oro, que junto a gamarra y chimichagua y que a pesar de su tendencia cultural hacia las actividades folclóricas, padecen un abandono casi total y sus entidades culturales no tienen o no cuentan con la autonomía necesaria para suplir las necesidades en estas áreas artísticas; hacia el futuro será difícil solucionar esta problemática, es preciso adelantar planes de emergencia; en la actualidad, existe una tendencia institucional a promover la circulación de obras artísticas, que pueden representar lo cultural de cada región a través de la pintura y las artes visuales; tambien otras manifestaciones artísticas como las artesanías, que a pesar que son obras netamente de cada una de estas regiones del departamento, difícilmente circulan en los espacios o instituciones del arte departamental se verían beneficiadas en este proceso .
La coordinación departamental de cultura junto con el Ministerio de Cultura desde el Área de Artes Visuales, tendrían por lo tanto, que canalizar estas tendencias, apoyando procesos que estimulen y difundan las artes plásticas en estos municipios, para esto es necesario que la coordinación de cultura departamental organice un departamento de artes plásticas y visuales que sirva de ente catalizador para que todas las manifestaciones plásticas y visuales tengan reconocimiento y espacios de circulación en el departamento; el propósito es armar una plataforma para que cada municipio pueda contar con entidades que puedan solventar y suplir las necesidades en estas áreas artísticas; la plataforma tendría que crear unas líneas programáticas del área, que responden a trabajos de planeación estratégica, para que los municipios del departamento, puedan soportar sus actividades.

De esta forma, con la creación del Área de Artes Visuales, se orientarían las actividades plásticas y visuales y su trabajo seria fomentar el desarrollo de las artes visuales en el departamento en todos sus niveles de creación, recepción, circulación y acceso de los bienes y servicios culturales, otorgando estímulo a la creación y apostándole a la formación artística, a la promoción y a la divulgación de las obras y artistas que se destacan, ademas, fomentar la investigación y a los proceso que tienen que ver con los procesos de organización de los sectores que agrupen tanto a artistas plásticos y visuales y a artesanos, como a personas especializadas y gestores, comunidad académica y educativa, instituciones culturales, museos, entre otros, de esta forma, se puede suplir las necesidades que en estos momento padecen estos municipios del sur del cesar.

ALVARO MARTINEZ “EL ARTISTA DEL BETUM”



“No existe realmente el arte. Tan solo hay artistas”
Ernst H. Gombrich
Valledupar es una región de la llamada provincia, un lugar cargado de emociones y de experiencias folclóricas y fantásticas, esta ciudad inmersa en la sierra nevada, al igual que todo pueblo americano no puede evadir su orígenes indígenas y todo este tiempo, alrededor de las prácticas artísticas no ha podido pasar en vano; sigue siendo interesante e importante el estudio del arte desde el legado aborigen de esta región, del cual este pueblo ha tomado la escasa memoria que aún queda de esas civilizaciones, reflexionando acerca de lo que es propio, frente a lo que es ajeno a la culturas y que hoy influyen en el nuevo pensamiento de los Vallenatos; los descendientes de los taironas, han tenido que pasar por una serie de procesos transitorios y de orden colonialistas que fueron influyendo en una nueva cultura, que se forja en un ambiente rural cuyo arte si lo analizamos bien ha sido más rico y relevante en el pasado, que en los momentos cruciales de la creación misma de esta ciudad.
Álvaro Martínez Torres en esta parte del mundo, despertó un temprano interés por la pintura, fue estudiante del viejo Loperena, y su sensibilidad artística lo hizo convertirse en arquitecto de profesión, graduado en la universidad piloto de Colombia, artista plástico de vanguardia y columnista critico de periódicos locales, aman te del folclor y de la bohemia, ademas defensor de la memoria y patrimonio arquitectónico de valledupar; fue un pintor conocido por el uso de colores muy personales y tambien, por el manejo original y fluido del dibujo, que recrean una temática de intenciones "realistas", que destacan lo popular, poético y lo critico; ademas, es muy notable, la búsqueda de lo exótico y sobre todo, reflejar tonos de humor a través de una sensibilidad propia de los artistas de esta región con poca o nula aceptación de nuestra sociedad en sus primeros momentos; todas estas característica le han otorgaron a Álvaro Martínez con frecuencia a sus trabajos un aspecto involuntario del dibujo y del color, junto a una primacía de la fantasía sobre lo real lo que determina este estilo.
Álvaro Martínez, ha sido mas reconocido como pintor que como dibujante; pero tambien es ampliamente conocido como uno de los artistas relevantes del cesar, que en los inicios de su carrera se le identificó como el iniciador de un primer proceso plástico en valledupar, desarrollado entre mediados de los años 60 y los años 70, aunque ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo, que trasmitió a algunos colegas suyos de la época a través del color y del dibujo, la cual desplegó en una producción que se extendió por más de 30 años, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales de las artes plásticas en el departamento del cesar y ademas a nivel regional y nacional.
De esta forma para los años 60, las artes plásticas, tomarían un nuevo rumbo en valledupar y en el departamento a si que hacia 1964, Álvaro Martínez realizo su primera exposición y se cree que fue la primera realizada en el municipio de valledupar en los espacios del Radioteatro Guatapuri, una de las primeras emisoras de Valledupar; para esa época Valledupar era una pequeña ciudad un tanto ajena a las artes pero al mismo tiempo, empezaba a presentar un interés creciente por ellas que con la fundación del departamento del cesar en 1968, se funda tambien la casa municipal de cultura Cecilia Caballero De López, espacio que facilitaría el mejoramiento del ámbito cultural en la región.

Los años 70 tras el ejercicio artístico de Álvaro Martínez, logro hacia 1973 con formar el grupo de “los artistas del betún”, o el grupo V4, primer grupo de artistas plásticos reconocidos a nivel regional y nacional por su participación en el salón nacional de 1974 integrado por Álvaro Martínez, quien fue su iniciador, Efraín Quintero Molina, Celso Castro y William Socarras; este grupo prometedor para su época alcanzo a vislumbrar a los artistas reconocidos para esa época en la costa, como Enrique Grau, quien interesado en el proceso artístico del grupo emergente consigue para ellos una exposición de pintura hacia 1975 en el museo de arte moderno de Cartagena de indias, exposición que consagraría a los artistas del betún como los primeros vallenatos en exponer fuera de la ciudad de los santos reyes y de participar de una exposición que en cierta forma iniciaría las prácticas artísticas en su nivel plástico en la ciudad de Valledupar.

En 1980, Álvaro Martínez participo en el salón nacional de artistas con la serie de obras tituladas: “entierro en rosado, coca y amarillo cañahuate” y “matrimonio en rosa, patilla y marrón” entre otras, con las cuales le fue otorgada una mension de honor, que lo ha colocado como el primer artista Cesarense mencionado en un salón nacional de artistas.

En adelante a través del tiempo, la obra de Álvaro Martínez se hace relevante en nuestros días, dado a la persistencia de temas anecdóticos, que el artista ha podido evocar en su trabajo por el hecho de mantenerse en una memoria visual activa, resistiéndose al cambio que ofrecen las nuevas tendencias, en Álvaro Martínez prima la conservación de los elementos plásticos tradicionales, que rememora lo cotidiano a través de cierto elementos del realismo mágico.

En la obra de Álvaro Martínez, se puede notar esa compilación de expresiones populares mágicas, ingenua y algunas veces primitivistas, muchas extraídas del anecdotario vallenato, que le da al artista un expresivo sentido identitario, donde prima lo autentico, lo original y lo consecuente con indudables principios referenciales a la región; el artista que inicio una técnica a base del betún, trascendió a ser un artista contemporáneo de gran relevancia en esta región ya que con sus logros, se reconoce como iniciador de los procesos plásticos en esta región.


Álvaro Martínez Torres, murió el 25 de Oct de 2011
Bibliografía: TOMADO: “INICIO DE LAS ARTES PLAS TICAS EN VALLEDUPAR” de Jose Anibal Moya Daza

INVESTIGANDO EN LAS ARTES PLASTICA

INVESTIGAR Y CREAR EN ARTES PLASTICAS

INVESTIGAR Y CREAR EN ARTES PLASTICAS
Promoción y desarrollo del plan de sensibilización del laboratorio de investigación creación de artes plásticas en el departamento del cesar.


INTRODUCCIÓN
Investigar y crear en artes plásticas es un proyecto de la coordinación de cultura departamental direccionado a enfatizar hacia programas académicos, que vayan en pro del desarrollo cultural y artístico, en la búsqueda de formas investigativas en las artes plásticas, que contribuyan al desarrollo de las artes en del departamento del cesar; para esto, hace uso del proyecto titulado, “Promoción y Desarrollo Del Plan De Sensibilización Del Laboratorio De Investigación Creación De Artes Plásticas En El Departamento Del Cesar;” proyecto que contempla un programa de sensibilización e investigación creación para los artistas del departamento del cesar, en los cuales se desarrollan procesos de investigación creación en artes plástica; estos, se hacen necesarios para que los artistas de los municipios del departamento del cesar, para que conozcan y tengan un nuevo en foque de lo que es una propuesta artística, como llevarla a cabo y como proyectarla a la comunidad, contemplando los criterios planteados por las nuevas políticas culturales del ministerio de cultura.
Los procesos de investigación creación son necesarios en el departamento del cesar, porque debido a ello se consigue viabilizar procesos que arrojan indicadores en el área investigativa y además brinda experiencias en el campo de la propuesta de creación, investigación, gestión y proyección artística.
Los laboratorios de Investigación-Creación han sido planteados como una forma de dinamizar espacios que sirvan de diálogo entre los artistas del departamento del cesar; la actividad de estos talleres de investigación creación, tienen como finalidad brindar el apoyo académico a la investigación-creación en artes plásticas y el desarrollo de los proyectos en esta área de las bellas artes.
Este documento de apoyo es parte del plan de sensibilización para los laboratorios de investigación creación; algunos de los contenidos de este texto han sido extraídos de bibliografía especializada en el tema de la investigación artística.
¿QUE ES EL ARTE?
“Hay causas equivocadas de que no nos guste una obra de arte. La hermosura de un cuadro no reside realmente en la belleza de su asunto”
Hernest Gombrich
Según Hernest Gombrich, “el arte no existen solo existen los artistas” el arte es todo lo que el hombre hace; ya sea transformando la materia o lo que no es materia en fin podría ser todo lo que se hace, desde producir emociones estéticas hasta recordar la antigua teoría estética: el arte es la expresión de lo “bello”. En este tiempo de políticas culturales, estéticas, artísticas y del “arte por el arte”, solo nos queda analizarlo desde la integración del arte en el proceso productivo, que desde principios del siglo XX nos ha llevado desde el futurismo, hasta los procesos vanguardistas o a la negación del arte como tal que podemos contemplar hoy.
LOS TRES ELEMENTOS EN LA DEFINICIÓN DEL ARTE
El hombre es el primer elemento de esta trilogía y el protagonista del proceso creativo en la obra de arte; tiene estrecha relación con el segundo elemento, este es la naturaleza y es el escenario de todas sus acciones creativas y que se manifiestan en el tercer elemento que es la civilización, que encarna el ascenso cultural del hombre.

LA FUNCION DEL ARTE
El arte está estrechamente unido al el “estudio de la evolución de las sociedades humanas” contemplando los aspectos:
 Políticos
 Sociales
 Económicos
 Religiosos
Es decir, el arte ha hecho la historia de todos los pueblos, a través del arte se ha reconstruido el pasado; además es un instrumento de educación.
Según Ernst Fischer el arte cumple con una función de primer orden en la sociedad, el arte eleva al hombre de su estado de fragmentación al estado de ser integrado, además permite al hombre ver su realidad y comprender el mundo que lo rodea, el arte no solo ha sido importante en el pasado sino que siempre lo será .
ASPECTOS A VALORAR EN UNA OBRA DE ARTE
Son los aspectos que identifican a una obra de arte, estos aspectos constituyen en si el contexto de la obra de arte.



LOS MATERIALES
Casi todos los materiales de la tierra funcionan para hacer arte:
Naturales:
 Piedra
 Mármol
 Metales y Barro
Plásticos:
 Pigmentos: pinturas; óleo, acrílico, tintas, etc.
 Medios de punta: lápices, plumas, estilógrafos, Etc.


LOS TEMAS
El tema es uno de los aspectos más importante y relevante de la obra ya que esto es lo que la identifica dentro del proceso de interpretación de la obra de arte, a continuación conozcamos los distintos temas que maneja la obra de arte:

LOS ELEMENTOS PLASTICOS EN LA OBRA DE ARTE
Estos son los elementos que constituyen la estructura técnica de una obra artística dentro de la plástica.



LAS TECNICAS
Las técnicas son las diferentes maneras de utilizar los materiales plásticos en una obra de arte; estas definen y dan forma a la obra plástica, estas son:


Los contenidos de la obra de arte
La obra de ate presenta unos contenidos implícitos en ellas misma ya sea que el autor los coloque o que también el observador lo interprete a su manera; estos son:
 El nivel sociológico ( la sociedad en la que surge la obra y en la que vive el artista)
 El nivel psicológico (aspectos de la personalidad del artista y su actitud acerca de su propia obra dependiendo de los movimientos artísticos y de pensamiento de su época)
 El nivel iconológico (interpretación de las formas graficas)
 El nivel iconográfico (interpretación de las representaciones figuradas).
¿Qué es investigar?
“¿Qué es lo que se investiga? Evidentemente investigamos la verdad, pero no una verdad de nuestras afirmaciones, sino la verdad de la realidad misma. Es la verdad por la que llamamos a lo real, realidad verdadera. Es una verdad de muchos órdenes: físico, matemático, biológico, astronómico, mental, social, histórico, filosófico, etcétera”.

Xavier Zubiri

Quizás la manera más sencilla para intentar entender que es investigar, seria buscando en el diccionario su definición, esto sería de gran ayuda y el término lo encontraríamos definido así según algunos diccionarios:

Investigar v. tr.
1 Tratar de llegar a saber o conocer una cosa examinando atentamente todos los detalles o preguntando.
2 Estudiar y experimentar una materia o ciencia para aumentar los conocimientos sobre ella: los científicos investigan los fenómenos naturales.
OBS Se conjuga como llegar.

Investigar
tr. Indagar, hacer diligencias para des cubrir [una cosa].
Discurrir, examinar o experimentar a fondo [en una materia de estudio].

Investigar
v transitive- intransitive investigar [imbesti'γaɾ]
1 estudiar profundamente una materia o asunto
Investigar el arte barroco
2 hacer indagaciones para resolver un caso
Investigar un caso de fraude

Como podemos analizar la mayoría de las definiciones están contempladas desde el campo científico y escasamente se menciona en ellas la palabra “arte” pero veamos a continuación y analicemos como estaría relacionado el arte con la investigación.

Arte e investigación

“Investigar es un proceso que tiende a conceptualizar la realidad que es el objeto de investigación; ósea a obtener conocimientos o ideas que son representaciones intelectuales de la realidad, expresando lo más exacta mente posible de ella, contribuyendo a engrosar el acervo crítico de la ciencia” .

Cuando hablamos de investigar en artes plásticas, parecería que nos referirnos a algo casi imposible ya que la investigación siempre la hemos relacionado más con los campos de la ciencia naturales que con el arte y pareciera, que el termino investigar nada tuviera que ver con este tema; pero aunque no lo parezca todo proceso artístico conlleva a la investigación y por ende a la creación de una obra de arte.
La obra de arte hasta hace algún tiempo, no contemplaban la investigación como parte de su proceso, todo estaba sujeto solamente al hecho creativo y a la innovación técnica; el proceso técnico de la obra, se impone como un hecho relevante dentro del trabajo del artista, sin tener en cuenta los procesos de investigación; teniendo en cuenta que la obra de arte está cargada con información del mundo del creador y de la cultura a la cual pertenece, esta información puede ser interpretada y puesta en contexto por el investigador y el público en general; pero dicha carga presente en la obra de arte, hace que el acercamiento a ella sea complejo; por lo tanto, primero hay que limitar el enfoque que se le va a dar el estudio descriptivo del proceso de la obra.
Esto, resulta fundamental en la formación de un artista ya que su característica principal es la interpretación del mundo, y esta característica es uno de los pilares de la actividad artística, pero sería bueno tener en cuenta que cuando se habla del arte, se hace referencia a un contexto que solo puede ser conocido por los sentidos cuando estos se materializan en la obra creativa del artista.
Analicemos el siguiente texto de la Conferencia en el Primero simposio internacional de estudios visuales "Producción como investigación" en la Universidad Autónoma de Nuevo León, Monterrey, 5-7.abr.2006 en donde se habla del arte como ciencia:
La ciencia artística significa buscar conocimiento no solamente con los métodos científicos usuales, pero también con algunos métodos de artes. No es hoy usual, aunque el arte y la ciencia tienen raíces históricas comunes en antigüedad, cuando el término griego 'tekhne' y 'ars' latino engloban varias áreas de la cultura que fueron distinguidas más adelante en artes y ciencias.
Aún hoy el arte y la ciencia tienen mucho en común, empezando con sus metas principales. La meta de la investigación científica es destapar y publicar conocimiento, información sobre el objeto del estudio, que conocimiento se puede quizás utilizar más adelante para resolver los problemas de otra gente. Esta blanco está en el principio similar a las metas del arte.

¿Cómo se investiga en artes plásticas?
En realidad no existe una norma clara para investigar en artes siempre tendríamos que basarnos en la normativa científica; el estudio científico del arte apenas empiezan a tomar forma en algunos contextos del arte, o en algunos paradigmas que el arte proyecta a la investigación; estos contextos y paradigmas se ven insertados en la historia del arte, en la estética o en la semiótica del arte, por el momento, el rompimiento de cada uno de estos paradigmas ha logrado muchos informes y casi que todos estos proyectos, han tenido metas puramente descriptivas o "desinteresadas", lo que significa que el investigador en artes, intenta más, describir el objeto del estudio objetivamente (o sea la obra de arte) y evita generar cualquier cambio a en él, en conformidad con los mejores principios de la ciencia desinteresada los investigadores han intentado mantener la naturaleza imparcial de su estudio evitando contactos cercanos con la gente que pudo tener opiniones fuertes sobre arte, incluyendo los artistas y el gran público .
Quizás la investigación en artes, desde la simple mirada de quienes realizan obras de arte pareciera no existir, ya que el artista a diferencia del científico, no contempla la naturaleza desde una posición científica si no que la ve desde su posición subjetiva, ósea que el artista crea un objeto u obra de arte y quizás, al parecer no se ha hecho alguna pregunta a sí mismo, sino que esa idea fluyo en su interior y fue plasmada en forma material o inmaterial, para ser expuesta a la crítica social e interpretada luego por el espectador consumidor.
¿Qué es un proyecto de investigación creación?
La pregunta sería ¿si una obra de arte es investigación?, o ¿simplemente todo lo que se crea en arte, se puede considerar investigación? ¿Qué se debe vincular en un proceso creativo para que la investigación pueda ser? Son las preguntas que nos hacemos, al contemplar el arte desde la investigación creación.
Un proyecto de investigación creación es aquel que partiendo de un contexto complejo como lo es el estudio de la obra de arte, su subjetividad implica de algún modo la claridad de su abordaje desde lo científico; ahora, teniendo en cuenta que la investigación creación ocurre porque examinando la naturaleza del sentido creativo artístico, relaciona la metodología investigativa científica con los elementos plásticos de la obra de arte, organizados estos elementos con algún tipo de lógica que conduzca al desarrollo de resultados que puedan o no ser verificables científicamente.
En otras palabras, un proyecto de investigación creación es un documento que le permite al investigador en artes, precisar problemas que se pretenden solucionar a través del estudio del objeto general del arte, que lo relaciona con la creación artística. Un proyecto de investigación para la creación, para que pueda cumplir con su función y misión, tiene que tener las siguientes características: claro, sencillo, preciso, escueto, coherente, lógico, bien argumentado y razonado, sin ambigüedades ni vacíos, además bien redactadas .

EXPLICACIÓN BREVE DE CADA UNO DE LOS PUNTOS DEL PROYECTO DE INVESTIGACIÓN para LA CREACION (según la Coordinación Del Área De Investigación. Universidad Iberoamericana)
0) Presentación General (resumen introductorio) del Proyecto de Investigación con el que se sustentará el PRODUCTO comunicativo a desarrollar: después del índice, ésta es la primera parte del proyecto. Aquí de lo que se trata es de hacer un “resumen ejecutivo” e introductorio de todo el proyecto en máximo un par de hojas. Aquí se tiene por lo tanto que señalar con claridad el objeto de estudio específico, los ámbitos temáticos, el problema práctico, la justificación, las preguntas, los objetivos, la metodología, las técnicas, los resultados deseados y el impacto esperado.
1) Título y subtítulo de la investigación que se realizará para desarrollar el PRODUCTO comunicativo elegido: ambos tienen que ser claros y sin ambigüedades, se recomienda que el título/subtítulo indiquen perfectamente en qué consiste la investigación y cuál es el objeto de estudio. Un buen título indica precisión y claridad, así como formalización de ideas (lenguaje formal, teórico); deja entrever cuál es la perspectiva y el contenido del trabajo en pocas palabras/conceptos.
2) Tema principal de la investigación que se realizará para desarrollar el PRODUCTO comunicativo elegido: aquí no se redacta lo que se “va a hacer” durante la indagación, tan sólo se indica lo que en términos temáticos se va a estudiar, e investigar para poder crear el PRODUCTO comunicativo. Es decir, luego de haber delimitado el “objeto de estudio” temporal y espacialmente al máximo, en este punto se señala el “fragmento de realidad” que uno va investigar y tratar con la creación del PRODUCTO comunicativo.
3) ¿Quiénes ANTES DE MÍ han investigado, reflexionado o tratado el tema al que se refiere el PRODUCTO comunicativo elegido?: aquí se describe de manera muy general lo que se “ha dicho o investigado” sobre el producto, servicio o mensaje comunicativo elegido.
4) Ámbitos temáticos, áreas o disciplinas de las cuales se va a obtener información general sobre el tema al que pertenece el Producto Comunicativo a desarrollar: aquí se indican cuáles son los “campos o áreas del conocimiento humano”, o mejor dicho, las disciplinas científicas o humanísticas de los cuáles se piensa obtener información sobre el “PRODUCTO comunicativo” elegido.
5) Problema práctico o NECESIDAD que motivó la realización del PRODUCTO COMUNICATIVO elegido: este es quizá el elemento que da pie a la elaboración de todo el proyecto de investigación. El problema es la formalización de una necesidad en la que aparecen dificultades sin resolver. Definir un problema es declarar en forma clara y precisa los diversos elementos del mismo, de tal manera que éstos queden bien precisados al igual que sus relaciones mutuas. Por ello, para ubicarlo, hay que describirlo contextualmente, es decir, en relación con el medio dentro del cual aparece con el fin de adquirir una visión más amplia para su posible solución. Lo cual exige situarlo con precisión en términos espacio-temporales y señalar los diversos aspectos que han incidido en su aparición. Al definir el problema se hace posible que otros entiendan lo que se pretende resolver con la investigación y con la elaboración del producto.
La ubicación del problema práctico, implica que se describa de lo muy general a lo muy específico, los elementos de la “realidad” que al combinarse permitieron que el problema -que nos empuja a hacer la investigación- exista. Y se argumentan y describen los “costos”, efectos o consecuencias sociales que este mismo problema genera.

6) Justificación: aquí se indica y explica con argumentos (coherentes, lógicos y convincentes), por qué es importante que se haga o realice el PRODUCTO o servicio COMUNICATIVO elegido y no otro. Para ello, se deben de contestar las dos siguientes preguntas:
a) ¿Por qué es importante desarrollar el PRODUCTO/mensaje/SERVICIO comunicativo elegido?

b) ¿Qué le sucede a la sociedad si yo no llevo a cabo este PRODUCTO mensaje/SERVICIO comunicativo?:

7) Proceso de investigación para la creación: los hallazgos obtenidos a través de la investigación serán redactados a manera de ensayo, el cual deberá considerar los siguientes puntos:
7.1) Preguntas de investigación: aquí se redactan las preguntas que uno buscará responder con la investigación. En toda investigación, existen dos tipos de preguntas:
a) Preguntas Centrales o Nucleares: aquí se señalan las dos o tres grandes preguntas que se plantea uno a partir del problema de investigación, se trata de las preguntas centrales que nos impulsan a realizar toda la indagación PARA SUSTENTAR y fundamentar el Producto Comunicativo elegido.

b) Preguntas Periféricas o Secundarias: aquí se redactan el mayor número de pequeñas preguntas –obvias- que requerimos responder para contestar las preguntas centrales o nucleares.

7.2 Objetivos de investigación: consisten en la redacción de lo que se pretende realizar con la investigación. Son un enunciado claro y preciso de las metas que se persiguen en la investigación. Tienen que ser coherentes entre sí y deben de ser factibles. Los objetivos de toda investigación son de dos tipos:
a) Objetivos Centrales o Generales: aquí se redactan las preguntas generales en forma de objetivo, anexándoles sólo un verbo en infinitivo. Estos objetivos son siempre los que señalan aquello central que se quiere lograr con la investigación.
b) Objetivos Periféricos o secundarios: aquí se redactan las preguntas específicas en forma de objetivos, anexándoles sólo un verbo en infinitivo. Los objetivos específicos, indican lo que se pretende realizar en cada uno de las etapas del proyecto, estos objetivos tienen que ser evaluados en cada paso para conocer los distintos niveles de resultados. En principio, la suma de objetivos específicos y su “adecuada relación” permite alcanzar los objetivos generales.
7.3 Marco teórico interpretativo: es la teoría a partir de la cual el sujeto investigador interpretará o EXPLICARÁ su Producto de Comunicación. Las funciones de todo marco teórico son: delimitar el área de investigación, sugerir guías de investigación, reunir conocimientos existentes en el área que se va a investigar, expresar proposiciones teóricas generales....Para construir el marco teórico, hay que revisar la literatura existente, cerciorase de la “autoridad intelectual” del autor o los autores seleccionados, revisar la vigencia de la información consultada, revisar la época de producción de la teoría, revisar la claridad y coherencia de los principios postulados y supuestos sobre los cuáles se apoya la teoría, revisar la solidez de la teorías.
Cinco son los puntos del marco teórico interpretativo:
a) Nombre de la teoría(s): aquí se describe el nombre de la teoría que se va a utilizar para interpretar/explicar/comprender el PRODUCTO comunicativo elegido.

b) Datos biográficos del autor de la teoría: aquí se indican de manera muy general los datos biográficos del autor de la teoría.

c) Contexto histórico de surgimiento y desarrollo de la teoría: aquí se describe el contexto histórico-cultural, político y científico dentro del cual surgió la teoría en cuestión, aquí se señala por qué surgió esta teoría.

d) Explicación de la teoría: aquí se describe de lo general a lo específico la teoría elegida. Para ello hay que describir y explicar (y sustentar con citas textuales) las principales afirmaciones y los principales conceptos que conforman dicha teoría.

e) Aplicación de la teoría al objeto de estudio: aquí se debe de hacer un esfuerzo por explicar el “PRODUCTO COMUNICATIVO elegido” a partir de la teoría descrita en el punto “d”. Aquí se toman las principales ideas, afirmaciones y conceptos de la teoría elegida y se “aplican” al “producto comunicativo”.

7.4 GLOSARIO o lista de los principales conceptos teóricos: aquí se hace una lista de conceptos o categorías que más se van a utilizar durante la investigación, se definen con “citas textuales” cada uno de ellos y se indica la fuente a partir de la cual se construyó la definición:


CONCEPTO
DEFINICIÓN
(CITA TEXTUAL) REFERENCIA DOCUMENTAL DE LA
FUENTE DE DONDE SE OBTUVO LA DEFINICIÓN








7.5 Estrategia metodológica que se eligió para efectuar la investigación sobre el PRODUCTO comunicativo elegido: aquí se trata de contestar las siguientes preguntas:
a) ¿Cuál es la estrategia metodológica que se eligió para realizar esta investigación sobre el PRODUCTO COMUNICATIVO en cuestión?: aquí sólo se indica el nombre de la estrategia metodológica elegida

b) ¿Por qué se eligió esa estrategia metodológica y no otra?: aquí mediante argumentos y explicaciones se justifica (sobre todo epistemológicamente) por qué se decidió utilizar está estrategia y no otra.

c) ¿Cómo se va a llevar a cabo toda la investigación? y ¿en qué orden?: aquí se enlistan (de inicio a fin) las fases y pasos a dar durante toda la investigación.

7.6 Técnicas de investigación a utilizar para recopilar y analizar la información que necesito para conocer, fundamentar y justificar la realización del producto de comunicación elegido): aquí se señalan cuáles técnicas de recopilación o análisis que se piensan utilizar, se explica por qué se eligió esas técnicas y se dice cómo es que se van a aplicar.

8) Técnicas para la Creación: aquí se mencionan, justifican y explican a detalle las técnicas elegidas para estimular la creación.
a) Técnicas para estimular la creación: Nombre y explicación de la técnica(s) creativa(s) elegidas para el desarrollo del PRODUCTO o SERVICIO de comunicación elegido. Las técnicas se dividen en dos grandes rubros:

a1) Lista de técnicas lógico-lineales: (racionales, conscientes o de ESTADO DE ALERTA):

a2) Lista de técnicas inconscientes: (intuitivas, irracionales, o de ESTADO de INOCENCIA):
9) ¿Qué se espera obtener con el PRODUCTO de comunicación elegido?
a) Resultados deseados: (lo ideal): aquí se describe qué es lo que en términos “ideales” o “utópicos” uno desea que suceda como consecuencia, logro o resultado de la elaboración del PRODUCTO COMUNICATIVO elegido

b) Impacto esperado: (lo posible): aquí se señala con humildad qué es lo que de manera “concreta” (y factible) seguramente sucederá como consecuencia de la elaboración del PRODUCTO COMUNICATIVO elegido

10) Recursos humanos y materiales necesarios para realizar, crear o concretar el producto de comunicación elegido: aquí se enlistan de manera exhaustiva los Recursos Humanos y Materiales que serán necesarios para llevar a cabo toda la investigación:
a) Recursos Humanos: indicar qué personas participarán durante todo el proceso de investigación y elaboración de producto comunicativo elegido, así como lo qué cada uno de ellos hará

b) Recursos Materiales (presupuesto): aquí se enlistan cuáles serán los gastos que se tendrán que hacer durante la investigación y elaboración del producto comunicativo elegido

11) Cronograma General de actividades: aquí, mediante una tabla de word, hay que describir la secuencia de las actividades planeadas para efectuar la investigación y elaboración del producto comunicativo elegido:

CRONOGRAMA DE ACTIVIDADES
Actividad Septiembre Octubre Nov Dic Enero Feb
Elaboración del Proyecto de Inv. X
Búsqueda de Referencias Documentales X
Lectura de documentos X
¿? X
¿?
¿?
¿?
¿?
¿?
¿? X
Redacción del Primer Borrador
del Ensayo para justificar el producto comunicativo elegido X
Redacción del segundo borrador
del Ensayo X
Elaboración de la presentación en Power Point
Primera Presentación del Producto comunicativo, el Ensayo y la descripción en Power Point X
Segunda
Presentación del Producto comunicativo, el Ensayo y la descripción en Power Point


12) Índice tentativo / orientativo del pequeño ENSAYO con el que se justificará o sustentará el trabajo: aquí, además de señalar introducción, conclusiones y lista de documentos citados y consultados, se trata de imaginar cual sería el índice posible del PEQUEÑO ENSAYO que se tiene que escribir para justificar y sustentar el producto comunicativo elegido. Es decir, se trata de plantear los capítulos (mínimo 3) y subíndices que tendría el ENSAYO, y se les da un orden que siempre tendrá que ir de lo más general a lo más específico para que su posible lector lo pueda comprender.

13) Formatos y estrategias de comunicación y presentación del PRODUCTO de COMUNICACIÓN elegido: aquí se indican y explican tres tipos de documentos a partir de los cuales se buscará sustentar, justificar o dar a conocer el PRODUCTO, MENSAJE o SERVICIO de comunicación elegido:

a) Proyecto de Investigación para la Creación

b) Reporte: Texto (de mínimo 15 cuartillas) donde se presentan los hallazgos resultantes del proceso de investigación para la creación, los cuales sustentan al PRODUCTO, mensaje o servicio creado. Este reporte se redacta a manera de ensayo e incluye las características citadas en el punto 7).
c) Ensayo: Texto (de mínimo 5 cuartillas) donde se describe en tiempo pasado y con palabras propias todo el proceso que se siguió para la realización del producto, mensaje o servicio creado.

d) Presentación en Power Point: con mínimo 7 diapositivas (y máximo 14) y en donde con puros BULLETS (oraciones sin texto) se indica lo siguiente: Título y subtítulo del trabajo, Disciplina o Campo de realización, Área temática específica de interés, Problema detonante del proceso de indagación-creación, Antecedentes del trabajo, Justificación, Publico al que va dirigido el producto, mensaje o servicio, Descripción del Proceso de Investigación para la creación, Principales resultados del Proceso de Investigación para la creación, Técnicas para estimular la creación, Descripción de la etapas de creación del producto, Presupuesto, Autocrítica del producto, aprendizajes de todo el proceso.

e) Producto, Servicio o Mensaje creado: Ficha Técnica y Presentación del producto, mensaje o servicio creado.

14) Lista de referencias de los documentos recopilados durante la elaboración de proyecto (30 REFERENCIAS MÍNIMO):
Las referencias son los datos y representaciones lingüísticas que permiten localizar los documento recopilados durante la elaboración del proyecto de investigación.
Existen varias formas de elaborar las listas de referencias según sea el sistema o el “estilo” que se utilice para hacerlo. Los sistemas y estilos mundialmente más reconocidos para elaborar las listas de referencias son: El sistema de la American Psychological Association (APA), el sistema propuesto por Kate L. Turabian (sistema TURABIAN), el sistema de la Modern Language Association (MLA), el estilo propuesto por el The Chicago Manual of Style (sistema CHICAGO), y el sistema Harvard.
Para el formato de proyecto de investigación que se proponen en estos Apuntes de Investigación de la Comunicación I, las listas de referencias se harán bajo el Sistema Harvard. ¿La razón? Porque se considera que es el sistema más “ergonómico” y practico.
El número mínimo de referencias documentales que debe incluir cada proyecto de investigación es de 25.
El orden de los datos que deben incluir todas las referencias hechas bajo este sistema, es el sigue :
APELLIDO, Nombre (Año de publicación)Título del documento en negritas. Editorial, País, Ciudad, Página

¿Qué es una propuesta artística?

Una propuesta artística es el planteamiento que se realiza de una obra de arte; la idea que el artista planea hacer con los elementos plásticos que maneja, de esta manera, la obra artística toma forma para ser divulgada, expuesta y analizada desde la crítica en el medio artístico- cultural.
El planteamiento de la propuesta artística forma parte implícita del proceso de investigación ya que este arroja un indicador conceptual del proceso de creación de la obra de arte, donde el artista da a conocer el sentido de la obra y el objeto de lo que se quiere lograr con la misma, teniendo en cuenta los aspectos técnicos, conceptuales y estéticos de la obra.
En realidad, una propuesta puede ser un proyecto que se construye o la obra misma del artista que se va desarrollando en la “investigación” que no es más que el trabajo que el artista realiza en su taller o con la comunidad, como sucede hoy con las nuevas políticas culturales donde las propuestas artísticas se hacen necesarias, porque estas se han convertido en indicadores que las entidades gubernamentales tienen en cuenta para incentivar el desarrollo de los estímulos y apoyo al producto artístico.

Toda propuesta artística busca mejorar una situación, solucionar una necesidad sentida o una idea ya sea está a nivel personal (nivel subjetivo) o abordar un problema existente dentro de la sociedad o comunidad etc. Por ello, es necesario tener en cuenta que la formulación de una propuesta artística, debe partir de una adecuada identificación de la necesidad o problema (si es que existe problemas dentro del proceso creativo del artista) y contar con el respectivo diseño de las condiciones necesarias para su óptima solución.

La propuesta de un trabajo artístico contiene la formulación de un proyecto de creación; esta propuesta constituye un documento sobre cuya base se decide si se autoriza a un artista a desarrollar su trabajo artístico; la propuesta debe ser escrita teniendo en cuenta lo siguiente:

• Conocer el tema del cual tratará su trabajo artístico.
• Tener una clara visión del problema que desea resolver, está informado sobre las áreas de producción o del conocimiento donde dicho problema se manifiesta, tiene una idea de la magnitud o importancia del mismo y de la aplicabilidad de la solución
• Conoce en una medida aceptable los métodos, técnicas y otros instrumentos aptos para resolverlo.
• Ha estudiado bibliografía adecuada relacionada con el tema.
• Es capaz de formular un plan de investigación coherente, que le lleve paso a paso a la solución del problema que se plantea.



PASOS PARA REALIZAR UNA PROPUESTA ARTISTICA SENCILLA

Existen muchas formas de presentar propuestas artísticas que conllevan necesaria mente a la investigación en el arte a continuación veamos algunos aspectos y criterios, para desarrollar propuesta o proyectos artísticos que contemplan la investigación creación:



1. Nombre de la propuesta
2. Descripción de la propuesta
3. Sustentación o justificación de la propuesta
4. Objetivos
5. Metodología
6. Plan de trabajo o cronograma de actividades
7. Factibilidad temporal, técnica o financiera (trata las posibilidades de realización de la propuesta)
8. Plan de proyección (las estrategias para dar a conocer la propuesta artística)
9. Presupuesto (debe ser en forma detallada y clara además justificar los gastos.
De esta forma se puede hacer un planteamiento acertado en cuanto a la presentación de una propuesta artística; no nos queda más que partir de estos planteamientos y comenzar a desarrollar propuestas artísticas innovadoras teniendo en cuenta los procedimientos adecuados.

BIBLIGRAFIA

• Teoría y función del arte, Historia Del Arte, Hernest Gombrich. fondo de cultura económica 1992
• Ernst Fischer, La Necesidad Del Arte. Editorial península 2001
• Diapositivas De Clase De Historia Del Arte© Jesús A. Manzaneque Casero. Profesor de Educación Secundaria I.E.S. Isabel Martínez Buendía Pedro Muñoz (Ciudad Real) ESPAÑA
• ¿QUE ES INVESTIGAR? Xavier Zubiri. Discurso en la entrega del premio Ramón y Caja1 a dos grandes investigadores españoles. , 19 de octubre de 1982http://www.zubiri.org/works/spanishworks/investigar.htm
• Diccionario Manual de la Lengua Española Vox. © 2007 Larousse Editorial, S.L.
• http://kdictionaries.com/
• Técnicas De Investigación Social, Teoría Y Ejercicios
Sierra Bravo, R. 1992
• Martin Heidegger. “El Origen De La Obra De Arte” fondo de cultura económica 2005.
• Conferencia en el Primero simposio internacional de estudios visuales "Producción como investigación" en la Universidad Autónoma de Nuevo León, Monterrey, 5-7.abr.2006. Autor: Pentti Routio, University of Arts and Design Helsinki
• Coordinación Del Área De Investigación Universidad Iberoamericana. Formato para elaborar proyectos de investigación. Beatriz Hernández y José Samuel Martínez López México D.F. Septiembre del 2005
• Formato para elaborar proyectos de investigación. Beatriz Hernández y José Samuel Martínez López México D.F. Septiembre del 2005
• Investigación creación; óscar Salamanca. 2009
• http://libidoherida.lacoctelera.net/post/2009/01/24/investigacion-creacion